The "Sammlung Frieder Burda" in Baden-Baden
The new museum for the "Sammlung Frieder Burda" (Frieder Burda Collection) will be opened in Baden-Baden on 22nd October 2004, after an approximately two year construction period. The building was designed by the renowned New York architect Richard Meier. Minister-president of Baden-Württemberg Erwin Teufel will attend to the ceremony in Baden-Baden on 22nd of October. The internationally respected museum is available to the public free of charge on 23rd and 24th October 2004.
The new building, with almost 1000 square meters of exhibition space, is particularly noteworthy due to its direct connection to the Staatliche Kunsthalle Baden-Baden. For the first time in Germany, a state commission and a private cultural commitment are linked together, here, in this unique form. The opening exhibition with artworks from the "Sammlung Frieder Burda" will extend over the neighbouring Staatliche Kunsthalle.
A clear structure for the museum's new building
Richard Meier, who has constructed various noteworthy museum buildings, including the Museum of Applied Art in Frankfurt, The Getty Center in Los Angeles and the Museum of Contemporary Art in Barcelona, compares the new building's design to "a large villa". For the architect, it is a "Jewel in the Park," on Baden-Baden's famous Lichtentaler Allee. The new museum captivates by virtue of its clear structure, as well as by the application of light and glass. It creates an alternate relationship from inside to outside, from art in nature and from the verdant Allee into the art world. Thus a highly sophisticated "daylight museum" is created.
Richard Meier is known for his superior handling of buildings in sensitive environments. Meier: "The new building is harmoniously developing along the Lichtentaler Allee. The result is a compatible ensemble with the Staatliche Kunsthalle". The outer facade's powder coated aluminum plates (75 x 120 centimeters) will be maintained in a muted white - the typical color of the buildings of Richard Meier. In Meier's appraisal, the new building has the effect of being "very open, very transparent and light".
Incomparable collection of late artworks by Picasso
The "Sammlung Frieder Burda" has its roots in Expressionism and today comprises more than 500 paintings, sculptures and works on paper. The focus is on classical modern and contemporary art. With its total of eight late works by Picasso the Collection owns a dense selection of his late artwork which is almost beyond compare. In the forties Picasso was a central figure for the American Abstract Expressionists such as Mark Rothko and Jackson Pollock. And yet they created an independent American art tradition: pictures which address their observer emotionally with their highly-expressive color qualities. In addition to paintings by Gottlieb, de Kooning, Pollock and Rothko, the Collection contains a significant work by Clyfford Still - a rarity in European museums.
The Collection encompasses excellently a selection of German post-war artwork. Georg Baselitz is brilliantly represented. Two famous works from his early companion in Berlin, Eugen Schönebeck, are also included in the collection. The visitor is especially drawn to Anselm Kiefer´s almost six meter long painting "Böhmen liegt am Meer."
The most important comprehensive works collections in the entire Burda archive are from Gerhard Richter, Sigmar Polke and Arnulf Rainer. Works taken from all stages of their lives offer a retrospective overview of the artists, who influenced the contemporary art decisively. Frieder Burda fortifies his recent dedication to younger generations of artists. The "Sammlung Frieder Burda" plans to present the artworks in the new museum to the public in successive installations. Each year a big alternating exhibition shall be realized.
The "Stiftung Frieder Burda" (Frieder Burda Foundation) bears all expenses
The builder is the "Stiftung Frieder Burda", which was founded in 1998 by Baden-Baden's patron of the arts. The most important goal of the foundation is to make the internationally acclaimed Collection permanently accessible to the public.
The collector is set on an "Art Axis," stretching from Frankfurt via Karlsruhe and Baden-Baden, to Strasbourg and Basel. The "Stiftung Frieder Burda" will bear all of the approximately 20 million euro costs. Public funding will not be employed. This also pertains to the operating costs of the new museum. Frieder Burda: "The erection of the new building for the collection is a dream coming true for me. The artworks should be enjoyed by everyone. An art center is emerging in Baden-Baden with importance above and beyond the state of Baden-Württemberg alone".
2004-09-22 until 2005-01-23
Hamburger Bahnhof Museum
The Friedrich Christian Flick Collection, one of the most significant collections of contemporary art in the world, will be presented to the public for the first time at a large-scale special exhibition, opening on 22 September 2004. The exhibition, which is scheduled to run until 23 January 2005, will present a broad cross-section of approximately 400 works belonging to the art collector Friedrich Christian Flick. The exhibition will occupy the entire Hamburger Bahnhof as well as the converted Rieckhallen, which are located adjacent to the main museum building.
Following the inaugural exhibition, the private collection of around 2,000 works of art, which has been loaned to the Hamburger Bahnhof for a period of seven years, will be gradually shown in its entirety in a series of temporary exhibitions. The collection, unique in its diversity and quality, focusses on art of the second half of the 20th century, comprising painting, sculpture, photography, video and installation. Alberto Giacometti, Bruce Nauman, Martin Kippenberger, Luc Tuymans, Cindy Sherman and Pipilotti Rist are only some of the many outstanding artists represented in the collection.
Under the direction of Eugen Blume, chief curator at the Hamburger Bahnhof, a team of established curators of the Nationalgalerie including Gabriele Knapstein and Joachim Jäger, together with young co-curators Regina Göckede, Anette Hüsch, Cristina Steingräber and Jörg Völlnagel, is working to create an exhibition landscape for the inaugural show which assembles groups of works by outstanding European and North American artists held in the Friedrich Christian Flick Collection according to a range of different themes. The exhibition has been conceived as an essayistic approach to artistic thought in the late 20th and early 21st centuries, which takes up the central questions of contemporary art in a series of chapters designed to show the collection in its extraordinary diversity.
Th works of Nam June Paik, Peter Fischli and David Weiss, Roman Signer and Dieter Roth exemplify the significance of process for the art of recent times. The theme of space and architecture will be examined in works by Jeff Wall, Dan Graham, Gordon Matta-Clark and Rachel Khedoori. Sexuality and the body will be treated in groups of works by Raymond Pettibon, Paul McCarthy and Cindy Sherman. Even the institution of the museum will be touched upon within the context of an artistic discourse which takes Marcel Duchamp, the father of twentieth-century conceptual art in all its manifestations, and Belgian artist, Marcel Broodthaers, as its point of departure.
A number of artists including Jason Rhoades, Stan Douglas, Rodney Graham, Paul McCarthy, Franz West, Pipilotti Rist and Diana Thater are to be allocated a space in which to perform site-specific installations of their own works as held by the Friedrich Christian Flick Collection.
Groups of works by the three great American artists, Jason Rhoades, Paul McCarthy and Bruce Nauman, will occupy a position of central importance within the exhibition. In the historical hall of the Hamburger Bahnhof Jason Rhoades will transform his complex installations into one huge environment. A large-format video sculpture by Paul McCarthy on the theme of sexuality and violence will also be shown in the hall. These centrally positioned works will be complemented by a series of works by Martin Kippenberger, Richard Prince and Duane Hanson among others.
As one of the most significant living artists, American artist Bruce Nauman is to be represented by an unrivalled group of works, which will combine to deliver an impressive reflection of the essence of his artistic thought. The entire Kleihues hall, which is located next door to the historical hall, alongside a number of large spaces within the converted Rieckhallen will be dedicated to the presentation of his work.
On the occasion of the exhibition a comprehensive catalogue with over 500 pages will be published by SMB-DUMONT in Berlin and Cologne. Covering all artists and works selected for the inaugural exhibition, the catalogue will appear in German and English.
Another integral part of the exhibition concept is a newspaper that will be distributed among the visitors at the opening. The publication features an in-depth conversation between the collector, Friedrich Christian Flick, and the curator, Eugen Blume, which focusses on the individual aspects of this unusual collaboration. Here Friedrich Christian Flick’s family history plays a special role. Indeed, the conversation addresses all of the issues that have been subject of the enduring and controversial debate in the German media and serves to document the various public discussions. In addition, the State Museums of Berlin will host an extensive supporting programme in line with the social significance of the exhibition, which will include a series of talks and a panel discussion on the occasion of the inaugural exhibition of the Friedrich Christian Flick Collection at the Hamburger Bahnhof, Museum für Gegenwart - Berlin.
柏林新國家畫廊（Neue Nationalgalerie）剛因為美國紐約現代畫廊（MoMA）的收藏展創下參觀人潮的新高，普魯士文化資產基金會（Stiftung Prueßischer Kulturbesitz）(註1)似乎嚐到了營造話題的甜頭，儘管藝術界對「MoMA在柏林」（Das MomA in Berlin）一展貶多於褒（花大錢宣傳美式帝國藝術收藏、缺乏主導策展概念、照單全收美方的展覽包裝），但是對財政困難的基金會而言卻是一支強心劑。
食髓知味，當社會輿論一片韃伐，基金會看準話題熱頭，與倍受爭議的當代藝術收藏大家佛烈克（Friedrich Christian Flick）簽定合約，預計在七年內於所屬的漢堡車站當代藝術展覽館（Hamburger Bahnhof—Museum für gegenwart, Berlin）策畫展出佛烈克約2500件藝術收藏。開幕當日戒備森嚴，所有來賓都必須經過安全檢查方能進入展覽館，館方深怕反納粹以及猶太人集團滋事，參加記者成員從文化藝術到社會新聞，從國內到國際政治新聞，陣仗之大前所未有。雖然佛烈克的收藏堪稱當代藝術的傳奇，媲美英國收藏家沙奇有過之而無不及，可是一半以上的新聞都集中在這位納粹時代支持希特勒軍火商的後裔。人們對這些以無辜生命所換來充滿血腥的財富感到憤慨，頓時之間「佛烈克」這個名字炒熱了整個德國與歐洲。
相較於德北柏林的「佛烈克收藏展」，位於德國南部巴登巴登（Baden-Baden）的另一位德國大收藏家布爾達（Frieder Burda）斥資邀請建築師理查．梅爾（Richard Meier）（註2）設計，經過兩年時間的興建，甫於十月開幕的布爾達收藏美術館（Sammlung Frieder Burda Museum）雖然同樣有著可觀的現代與當代藝術收藏，卻缺少如前者的爭議性話題少了世人的關注。
雖然受到媒體關注的程度不同，但是不容否認的是當私人藝術收藏展示在社會的當下，終究成為公眾的議題。
本文除了介紹兩位收藏家此次的收藏展之外，同時也探討私人藝術收藏的未來走向。
佛烈克收藏展Sammlung Friedrich Christian Flick
最受爭議的當代藝術收藏家
時間必須推回到德國納粹時期，第二次世界大戰之前。斐德利希．佛烈克（Friedrich Flick）以軍火製造商之姿，支持希特勒，奴役將近六萬人為其工作，雖然時代遷移，這段歷史一直是德國人永遠難以癒合的傷口，不僅僅是猶太人，德國人同樣對當時些與希特勒或納粹有所往來的人士都在無形中給予了「黥刑」，社會對這些人一直無法原諒。戦後紐倫堡大審判（The Nürnberg War Crimes Trials），斐德利希．佛烈克被判7年監禁獄中，軍火庫遭銷毀。
或許人各有命，出獄後的斐德利希．佛烈克再次發揮作生意的一流能力，短短幾年便東山再起，於前西德建立起另一個事業王國，財富不斷累積甚至超越納粹時期。身為斐德利希．佛烈克的孫子，斐德利希．克利斯提安．佛烈克（Friedrich Christian Flick）在祖父過世後（1972，據統計為當時全世界前五名鉅富）其子與三位子女（佛烈克與兩位兄姐）繼承了一大筆遺產與藝術收藏，繼之仍不斷收藏當代藝術家作品。為了洗去祖父所留下的歷史罪名，佛烈克成立「反仇外、反種族歧視、反偏狹佛烈克基金會」，不過似乎效果不彰，世人仍然以有色眼光看待整個家族，尤其是他們所擁有的財富更被稱為「血錢」（Blutgeld），因為他以此行善知名，卻不若另一位姐妹將遺產捐出來撫恤曾受迫害的家族。兄姐同時出來指控佛烈克根本是刻意將自己與家族的關係撇清，分明是「佛烈克家族收藏」如今卻成為「斐德利希．克利斯提安．佛烈克收藏」。最令人無法原諒的或許是佛烈克不肯再背負祖父的罪名，即使他獲得約六千萬歐元的遺產，卻認為最不在己，同時也不願為收害者與家屬道歉或作人到補償。
佛烈克繼承祖父遺產加上自己從1980年代初對當代藝術的投資收藏，儼然成為當今世界數一數二的藝術收藏家，總收藏即超過2500件作品，總值超過上億歐元。
互蒙利益的合作關係
與漢堡車站當代藝術展覽館簽定為其七年的合作關係之前，佛烈克曾經打算在瑞士的蘇黎世興建私人美術館展覽收藏作品，卻被瑞士政府與民間打了回票，他們不希望這種以奴役其他血汗生命所換來的收藏出現在瑞士境內。
佛烈克鍥而不捨，終於找到肯為其背書的柏林市政府文化局與普魯士文化資產基金會。柏林市早已宣布破產，文化藝術活動的補助捉襟見軸；另一方面，漢堡車站當代藝術展覽館缺乏館方收藏，幾年下來已出現展覽品質低落，無法與其他當代美術館媲美的窘境。因此即使冒著「為納粹幫兇洗脫罪名」的危險，仍然與佛烈克簽下七年的長期合作條約。同時佛烈克出資八百萬歐元整建主館之外的另一展覽廳（Rieckhallen）作為將來新展覽之用。
館方宣稱，這不是為收藏家宣傳，而是有系統策劃出當代藝術大展，由館方策展人主導，收藏家不介入意見。不過這個條約簽定，讓佛烈克頓時省下了八千五百萬歐元的稅付，同時真正名列成為重要的當代藝術收藏家之林，未來的效益不可計數。
佛烈克當代藝術收藏
十月廿一日晚間終於正式開幕。德國總理施諾德到場致詞，等於是以官方的聲明來支持收藏家的「慷慨解囊」。（被德國藝術界嘲笑的是施諾德極少在文化藝術開幕活動中出現，這次現身，反而徒增惡名）
第一檔展覽由策展人尤金．布魯蒙（Eugen Blume）率同館方策展團隊選出約400件來自40位藝術家的作品，在佔地一萬三千平方公尺的場地展出十八個主題。要能夠充分並詳細參觀所有的作品不但需要有很好的體力與精力，對當代藝術史如果有一些了解才不致錯失好作品。不過光是簡單的瀏覽一遍，就已經是一項大挑戰了（許多記者根本沒辦法走到最後的展覽區），因此展覽中途都設有休息座椅以及咖啡區，這在一般展覽中確實是少見的。可是如果想像這些作品不過是收藏家所有收藏的六分之一，沒有人不瞠目結舌！
不容否認，佛烈克憑藉著豐富的資產以及精準的眼光收藏當今藝壇上極受矚目的藝術家作品。
策展團隊重新架構了佛烈克的收藏，並且依據作品的特色來劃分主題，因此同一位藝術家的作品出現在不同的主題裡，或者是某一個主題以一位藝術家的作品集結，雖稱不上新意卻可看出對當代藝術的研究與用心。
主題「部分真實」（Halbwahrheit）以諾曼（Bruce Nauman）劇場寫實作品呈現真實與身體的經驗，包括錄像、裝置等作品；「大幻影」（Große Geister）將德國藝術家舒特（Thomas Schütte）的外星人似雕塑置於整個展覽廳呈現虛幻的人間假像，「墨爾的生活」（Mohr’s Life）則是想像一個不存在的人的生活作息裝置作品；「動態中的靜止」（Stillstand in Bewegung）以羅德尼．葛拉漢姆（Rodney Graham）的作品來探討藝術與科學的關係；「花園雕塑」（Gartenskulptur）向已故德國大師羅特（Diether Roth）致敬，展出其生命展現的裝置作品。
其他的群展與個別展覽的藝術家還包括：白南準（Nam June Paik）、費胥利與懷斯（Peter Fischli and David Weiss）、席格纳（Roman Signer）的作品標示出當今錄影藝術的趨勢。傑夫渥（Jeff Wall）、葛拉罕（Dan Graham）、瑪塔克拉克（Gordon Matta-Clark）、可多瑞（Rachel Khedoori）的作品呈現空間與建築的互動。派提波恩（Raymond Pettibon）、麥卡錫（Paul McCarthy）、辛蒂．雪曼（Cindy Sherman）等人的作品出現性與身體的張力。道格拉斯（Stan Douglas）、衛斯特（Franz West）、提爾特（Diana Thater）以藝術表達空間的戲劇性效果。韓森（Duane Hanson）、馬汀．奇本柏格（Martin Kippenberger）、理查．普林斯（Richard Prince）、查爾斯．雷（Charles Ray）、傑森．羅德（Jason Rhodes）的作品構成「迷思生成」主題。
這些作品個別來檢視都可稱得上是藝術家的代表作之一，令人驚訝的是佛烈克竟然大手筆的一件一件收藏來，參觀這個收藏展等於是一趟最真實的當代藝術之旅。
展覽：佛烈克收藏展
地點：德國柏林，漢堡車站當代藝術展覽館
時間：22,09,2004~23,01,2005
布爾達收藏展Sammlung Frieder Burda
收藏家發跡史
布爾達（Frieder Burda）出生於德國南部巴登地區的小鎮，一個出版商的家庭中，父親不斷發展出版事業，事業版圖擴及德國與法國兩地。1986年與兩位兄長繼承父親的遺產，布爾達則於1975年開始已經繼續父親的出版事業同時不斷擴張事業體，事業總資產超過十億歐元。比起佛烈克，布爾達的家族與藝術收藏史便少了許多新聞焦點，但是基金會的成立，新美術館的興建，讓布爾達不僅事業上風光，在藝術界也成為受敬重的人物。
布爾達幾十年投入現代藝術收藏的行列，距今統計約有550件收藏，舉凡平面繪畫、雕塑到紙上作品。他的收藏比起佛烈克顯然保守且小心謹慎許多，收藏興趣開始於美國抽象表現主義布拉克（Jackson Pollock）、羅斯科（Mark Rothko）、杜庫寧（de Kooning）等人的作品成為他第一批的收藏接下來他的興趣逐漸轉移到德國戰後的藝術家，波爾克（Sigmar Polke）、里希特（Gerhard Richter）、巴澤利斯（Georg Baselitz）、萊纳（Arnulf Rainer）、彭克（Penck）甚至是基佛（Anselm Kiefer）的大型雕塑裝置。
其後，布爾達開始回溯德國現代藝術發展史，將收藏作品的時間往前推移到二十世紀初德國表現主義的作品，貝克曼（Max Beckmann）、克希納（Ernst Ludwig Kirchner）、馬克（August Macke）等藝術家作品皆在收藏之列。
德國現代藝術的寶庫之一
儘管布爾達個人最鍾愛畢卡索逝世前的作品收藏，但是他最大的一個貢獻與收藏成就卻是一批為數頗豐的德國藝術家作品。這些藝術家不僅是德國戰後藝術發展史上不容缺席的角色，他們的作品都先後或多少都影響了當今世界藝術的進展。
里希特的多元性創作與藝術觀念無人能出其右，他將風景照放大再以油畫方式處理，或者是繪畫完成後加以攝影，再於攝影作品上依據畫面重新圖上油彩，然後又重複同樣的過程，這種觀念與創作並行的藝術表現衝擊藝術界對「複製」與「再現」的思考。
巴澤利斯的創作則受原始藝術的影響甚深，但是最令人印象深刻的是他將作品倒立後簽名並記下日期，挑戰觀眾對作品的熟悉與制式的觀賞經驗，反諷社會的虛偽。彭克的作品同樣具有強烈的原始、即興塗鴉風格，意圖脫離主流也是對當時社會的反動。波爾慕冉克多使用現成物並以遊戲的動態，以噴畫或拼貼完成創作，雖然素描與繪畫根基厚實，他卻以此來告誡觀眾所有的一切都是疏離，所有的答案都是欺騙。基佛的作品時常籠罩著深沉的悲痛，反思戰後的物質主義並追悼受難的心靈。
另一個不同於佛烈克與另一位來自慕尼黑的大收藏家布蘭德霍斯特（Udo Brandhorst）之處，布爾達的私人收藏與美術館（他獨自斥資兩千萬歐元興建美術館）全部與巴登地區藝術展覽館（Staatliche Kunsthalle）合作，每年至少策劃一檔收藏展，同時當布爾達離開人間之日，所有的收藏將全部成為巴登巴登的收藏。
美術館建築新焦點
除了布爾達的豐富收藏之外，新建的美術館將成為巴登巴登地區的新地標。布爾達基金會成立於1998年，隨後計畫興建美術館於法國南方慕冉（Mougins）──畢卡索生前十年的居住地，但最後還是選擇了自己的德國家鄉作為回饋。
由理查．梅爾所設計的布爾達美術館為一棟延伸於公園的三層樓建築，同時以大量的玻璃來接引自然光線，並讓建築與環境合而為一。觀眾一到達美術館首先映入眼簾的是基佛的大型作品《躺在海邊的波希米亞》（Böhmen liegt am Meer）。
十月份在眾所矚目下正式開幕，德國人又多了一處欣賞現代藝術的去處。
地點：德國，巴登巴登
Lichtentaler Allee 8 b, Baden-Baden, Germany
註1：普魯士文化資產基金會下所設的柏林邦立博物館（Staatlische Museen zu Berlin）共有16個美術館以及4個研究中心（Forschungseinrichtungen），其中最有名的當屬位於市中心（Mitte）的博物館島（Museumsinsel），1999年國際教科文組織（UNESCO）將其列為世界文化遺產（包括老博物館、老國家畫廊、佩加蒙博物館等）。台灣故宮「德藝百年」大展的藏品皆來自於此基金會。
註2：理查．梅爾，紐約建築師其所設計的美術館建築包括法蘭克福應用美術館（Ｍusem für Angewandte Kunst Frankfurt）、洛杉磯蓋提藝術中心（The Getty Center in Los Angeles）、巴塞隆納當代藝術美術館（Museu d'Art Contemporani de Barcelona）等。
Exhibition: “Ornament and Promise” in Frankfurt
The Museum für Angewandte Kunst Frankfurt presents the exhibition “Ornament und Versprechen. Postmoderne und Memphis im Rückblick” (“Ornament and Promise. A Review of Post-Modernism and Memphis”) from November 4 until February 27, 2005.
The Vienna architect Adolf Loos formulated the tractate “Ornament und Verbrechen” (“Ornament and Crime”), which legitimized the fact that decors and ornaments were a taboo. It had a widespread effect, from the Deutsche Werkbund and Bauhaus to the Ulm School and functionalism. Decades later, two movements came along to counter functionalism, which was perceived as cold, technocratic and unidirectionally rational, as an aesthetic reaction: post-modernism and Memphis.
The Museum for Applied Arts Frankfurt presents a critical appraisal of these two movements. About 150 design objects present the colorful and narrative style.
www.museumfuerangewandtekunst.frankfurt.de
德國德勒斯登電影節短片競賽單元報評將於明年一月截止
有興趣 有才華的朋友 請把握機會
http://www.filmfest-dresden.de/
Short Film Competition of the Filmfest Dresden 2005 – Entries Invited until January 5, 2005
Short films can be submitted until January 5, 2005 for the international and national competition of the 17th Filmfest Dresden which will take place from 12 to 17 April 2005. Films up to 30 minutes in length can be entered for the animation and short-fiction-film categories. With a total of over 50,000 Euro in prize money the Dresden festival is the best endowed short film festival in Europe. For the satellite program films up to 45 minutes in the animation, short fiction, experimental and documentary genres may be submitted. When applying online it is possible to take part in an online-competition that presents award-winning international short films for free. Each quarter the portal shows exclusively 20 selected shorts from all around the globe, which will be awarded with prizes worth 3000 Euro. The ‘Best-of-the-Best-Award’ endowed with 10,000 Euro will be presented once a year.
當人們不斷試圖創造新的設計藝術新視野的同時
德國漢堡應用美術展覽館卻反其道而行
提出自然與藝術的新設計概念 為其一年的展覽只剩兩個用的時間
http://www.mkg-hamburg.de/
（Please scroll down for English text）
Natur wird heute zunehmend als technisches und mediales Produkt wahrgenommen. Die Kultivierung der ehedem als feindlich empfundenen Umwelt ist durch die revolutionen Innovationen in Forschung und Technik so weit vorangetrieben worden, dass das natlich Gewachsene vom kstlich Generierten kaum mehr zu unterscheiden ist. Flse werden in neue Betten umgeleitet, Pflanzen genetisch optimiert, Obst und Geme auf chemischen Nrlungen unter kstlicher Beleuchtung zur Reife gebracht. Im Freizeitbereich ist das Kstliche lgst vorherrschend, denn Indoor Skipisten, Wellenber und Kletterhallen bieten viel komfortablere Erlebnismlichkeiten als die reale Landschaft. Gleichzeitig erhalten die Produkte im Bereich der technischen Konstruktion immer mehr Eigenschaften, die bisher der Natur vorbehalten waren: Elektronische Sensoren knen heute Wahrnehmungsorgane ersetzen, Computerprogramme aus eigenen Fehlern lernen.
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From 16 January 2004 to 16 January 2005 the Natur Ganz Kunst ("Nature Quite Art”) exhibition at the Museum für Kunst und Gewerbe / Forum Gestaltung (Design Forum of the Museum for Art and Craft) in Hamburg will be looking at the disintegration of the traditional concepts of art and nature and examining the loss of the opportunity for an authentic experience of nature. Art and design are sensitive seismographs, reacting to the disintegration and crossing boundaries themselves. With much use of subtle humour the artists design organic creations, experiment with natural objects such as leaves, tree bark or rose thorns, and generate virtual landscapes. The exhibition will show 120 works by forty-three international designers and artists from fifteen nations representing all areas of contemporary design, including furniture design, fashion, sculpture and photography, as well as computer and video art.
2004年第九屆威尼斯建築雙年展正式於九月十二日開幕，這個為期約兩個月的國際建築大展再一次受到國際的矚目，除了威尼斯影展與威尼斯視覺藝術雙年展之外，建築雙年展可說是整個雙年展主辦單位的第三大國際盛會。
繼2002年由英國倫敦策展人迪揚．沙迪克（Deyan Sudjic）所策劃的第八屆雙年展的主題「下一波」（NEXT）之後，今年由瑞士籍的藝術與建築理論學者庫特．佛斯特（Kurt W. Forster）擔當重任。佛斯特以「蛻變」（METAMORPH）為本屆展覽的核心主題，藉以檢視並發掘當代建築設計在基本原理創作與理念的轉變，這些轉變可以從設計的理論與實務中互見因果與其當代的現象，同時也在當今的新建築技術裡被廣泛的運用。
如果我們將這六年來，也就是連續三屆的建築雙年展主題作一個歸納與連結可以發現建築設計藝術在當今社會的發展趨勢與此領域專家的一個思考面向：
2000年第七屆雙年展，義大利建築師福克薩斯（Massimiliano Fuksas）將建築美學歸位到更人性的層面。展覽主題「少一點美學，多一點倫理」（Less Aesthetics, More Ethics）點出了建築設計界的迷思，越來越多的理論化與奇觀化使建築設計走到一個目眩神迷的胡同裡，建築師競相標榜新意卻忽略了人性的感受，這個主題不僅是當時建築設計借現象的一記棒喝，同時也促使專業界回歸人性設計的本位。第八屆「下一波」的主題，開始往前思索建築的方向，主題展中邀請了約140個已經完成的建築設計案展出，並提出未來建築新思維。
今年佛斯特承續前兩屆的主題並更深一層探討建築設計在社會中的蛻變。這個轉變不僅在建築師或設計師的工作上，同時也有更多跨領與的合作，建築師的美術館或音樂廳的設計注入更多「複數性」的元素，除了功能性的考量也探索其歷史性或者未來性的意義，同時關注建築物與大自然環境的關係。「蛻變」一詞不僅強調「轉變」的特性，更多的指陳在於「轉化」的精神。
一如歷屆展出，雙年展除了最重要的主題展之外，最受注目的是國家館於綠園城堡（Giardini）的展出，每個國家無不費盡心力呈現該國的特色並呼應當界展覽的主題，但是展出成果經常參差不齊。台灣以國立台灣美術館名義參加的展覽，不論是視覺雙年展或建築雙年展都因政治因素只能在「外圍展」中出現。
佛斯特在國際主題展中的呈現不同於前兩屆，除了建築計劃的展出之外，攝影、裝置、錄像攝影都被包還在展覽之中，當然「建築設計」與「室內設計」也成為主題展的重要單元之一。策展人在策展理念中不僅強調主題展的規劃與構想，對於具有歷史與區域特性及國際焦點等特色的展覽場地如何呼應主題與展出作品也同樣重視，本文中也將針對此一主題作介紹。
本文中將介紹的另一個重點是主題展中的單元「室內設計新資訊－義大利2004」(News from the Interior-- Notes on Italy in 2004)，佛斯特邀請Mirko Zardini與Giovanna Borasi擔任此單元策展人，並以八個子題聚焦義大利從傳統到現代、從學校教育到專業設計的新趨勢。
歷史空間新運用
已經具有百年歷史的威尼斯雙年展單位，從最早的影展到從去年開始舉辦的當代舞蹈藝術節，「藝術節」成了與威尼斯相提並論的平行辭，除了影展舉行地點位於麗都島（Lido）之外，其餘雙年展的活動都是在威尼斯本島舉行。因此如何在這個已經具有歷史意義的擁擠小島上規劃展出與表演場地成了挑戰性的任務，而所能利用的也就是舊日的建築場所，「舊有空間」再利用與創新就成了「硬體」設備的考慮方向。
威尼斯雙年展（尤其指視覺藝術與建築雙年展）的場地以兩個區域為基本展覽中心：綠園城堡（Giardini）與一般中文文章俗稱的舊軍械庫（Arsenale）。在此特別附帶一提的是Arsenale原意為「船塢」，這個名稱是威尼斯人贈與西方世界的禮物，因為所屬地點為前海軍軍隊所有，此處負有造船、製繩與儲藏軍械的功能，所以才被以軍械庫通稱。
首先談到位於本島東方的綠園城堡這一個區域。最大的建築「義大利國家館」位於最醒目的位置，園中其他區域則散佈有29個其他國家的國家館，這些國家館自1895年開始陸續由各國明建築師受命設計興建，德國、英國、法國、美國、西班牙、荷蘭等國家在此建立國家館據點，不論視覺雙年展或建築雙年展的國家館都在此展出。身為地主國的義大利國家館，佔地3000平方公尺則不作為國家主題館而是國際主題展的主要場地，同時也是雙年展開幕的大舞台。
舊軍械庫場地自1999年第48屆威尼斯雙年展（視覺）開始加入展出的地點，也讓這個塵封多時的歷史建築再度呈現於世人面前。整個展覽場地幅員高達一萬七千平方公尺，因而雙年展的規模因應場地的增加也擴大展出的規模。
此展地包含三個分屬不同功能的舊廠房：
製繩場（Corderie），初建於1303年，由Antonio Da Ponte所設計，大圓柱分立中央兩側支撐起整個建築，總長度316 公尺，寬度21公尺，高度則有9.7公尺之譜，整個場地佔六千四百平方公尺，以舊建築作為新展覽場地有其侷限性，尤其是連續不斷的圓柱造成視覺的阻礙與展覽規劃的限制，因此場地設計每年都由策展人邀請設計師加以規劃。
軍械庫（Artiglierie）約建於1560年，少了前者的壯大氣勢卻富有更大的儲藏功能，樑柱也以輕巧的造型支撐建築體，總面積三千三百平方公尺。
建於1568～1573年的船塢區（The Gaggiandre, Tese delle Vergini and Giardino delle Vergini）包含運河口與其腹地，被分為四個特殊風情的景緻，也是最具威尼斯特色的展出場地。
今年受策展人佛斯特邀請為國際主題展作規劃設計工作的是來自美國的建築事務所「漸近線」（Asymptote）。漸近線建築事務所由羅西德（Hani Rashid）與科特（Lise Anne Couture）共同主持，曾於2002年代表美國於國家館展出，這一男一女的工作組合，在建築設計上跨越多重領域，不僅為建築案作規劃，同時也作室內設計與傢飾設計，並為展覽場地作整體情境設計。「漸近線」建築事務所的網站設計別有新意，有興趣者也可以試著上網查看http://www.asymptote.net
整個雙年展所對外發布的標誌與展覽色調、型態皆出自其手。
今年展覽色調以紅色為主，展覽目錄則分別以紅、黃、綠三冊封面組合論文、國際主題展與國家館三個項目。
首先，我們來看設計師如何規劃綠園城堡的展覽場地。這一個區域幾乎可以稱為威尼斯本島唯一的綠地，有如公園的獨立場地，有別於充滿運河、小橋與民屋的威尼斯風情，使得綠園城堡獨豎一格也別具特色。
呼應策展人佛斯特所設計的主題「蛻變」，綠園城堡從入口到主展場的佈道被設計成一條長形的變形蟲，前端標示雙年展的主體，最末端正對義大利國家館正門口，一面內凹的銀色立面，暗示著承續、轉變、回應與連接，兩端則是可以或作或躺如公園的大座椅。大紅色與整個場地的綠樹對照形成強烈對比。
義大利國家館內的主題展展場設計基本上則依據主題展的性質分類，較為中庸而無太大的新意或另人驚艷之處，但是值得一提的是主展場中央特別包裹出的錄像放映場則將德國藝術家林克（Armin Linke）的三大螢幕裝置作品襯托出最佳的氣氛，這件作品也獲得今年威尼斯建築雙年展「插曲」單元特別獎。
再從最具歷史性的舊軍械庫展地，設計師由製繩場的概念與蛻變原型蟲的概念出發，同時輔以紅色的基本色調設計出帶有連續性又具波浪幅度的展覽型態企圖軟化建築展中的乾澀與硬度。
這個部份與視覺藝術雙年展的不同在於建築展不若視覺藝術創作的多元與可看性及炫目性。建築展大致不脫離模型、建築藍圖、動畫、或者少數的影片播放。不可避免的也會有太多形式雷同的展出方式，因此如何將場地與展出作品的動態感呈現，並且降低建築展給一般觀眾的距離感，空間的規劃成了展覽的一大挑戰。姑且不論在這一部分「漸近線」是否成功地將舊建築「蛻變」出新展覽場地，基本上對這種具有歷史意義的建築而言，轉化為截然不同的當代展覽建築功能本身就具有太大的限制性。觀眾能夠期待的只能是避免過多長物所影響的觀展經驗，就這一點而言，設計師至少發揮了該有的功能。
不過若將之與去年第五十屆威尼斯雙年展的展場設計比較起來，今年的展場設計則顯得過於單調而缺少變化，去年每個主題單元之間所穿插設計的休息區、閱讀區、或是咖啡座，今年卻都集中到展覽場地的角落，也就是說觀眾必須耐心的走完幾千公尺才有可能找到一個坐下來休息或喝一杯咖啡的空間，這形成了看展覽最大的負荷。因為這個大展超過兩百多個設計案，一連串的單元不斷銜接，其實也造成一些混淆。
或許這一部分是未來展覽設計者必須加以考慮的重點，不純然是為展覽而設計，更必須考量到觀眾的接收負荷度，尤其是這樣大規模的展覽。若以台灣的展覽來說，建築展設計展還不是一個很熱門的美術館展覽項目，或許一般觀眾還未能感受到建築展與視覺藝術展覽的不同，同時也少有人注意到這個問題。不過既然建築展逐漸被接纳到美術館的展覽中，如何將生澀或千篇一律的模型轉化為更有「視覺性」的展出將是建築設計師新的一項工作領域與挑戰。即將在台北出現的「2004台北雙年展」與「CO4前衛文件展」都是大型的展覽，我們也可以來看看並體驗展覽空間與觀眾的互動關係。
策展人的工作能夠在作品的關聯性上作次序或位置的調配，但是展覽展地的規劃還是有賴建築設計的專業介入方能達到空間的整體感。
「室內設計新資訊」(News from the Interior)
如果許多觀眾還不健忘的話，今年（2004）五月，台北市立美術館展出了「義大利設計展──米蘭三年中心經典藏品」以編年方式展出自1945至2000年義大利設計文化的蛻變與演進，脈絡清晰的呈現出義大利的設計風貌。這個由創立於1933年的米蘭三年中心（Triennale di Milano，http://www.triennale.it/）所提供的豐富藏品，提綱挈領點出義大利的設計風格並可以看出米蘭在義大利甚或是當今世界對設計界的影響。
建築不僅是一個軀殼，更是人類生活空間的具體展現，因此談建築不能只談外觀，更需關注內在，這也是策展人佛斯特談到當今建築設計的「蛻變」現象時，所必須指陳的另一個面向。
今年建築雙年展中與以往極大的不同特色之一是「室內設計」單元，雖然展出的焦點為義大利，但是從設計歷史的發展，由義大利的設計現象來看當今的室內設計新趨勢，不失為一個切入點。
時間必須再往前推移到1972年，地點則位於美國紐約的現代美術館（Museum of Modern Art of New York）。「義大利：新國家風景」（Italy: the New Domestic Landscape）展覽，以一個極具批判性的態度來反省一個深具傳統美學基礎的國家面對新型態的設計美學所受的衝擊：美學元素裡的形式、主體與功能主義的融合與衝擊。延續這個批判與反省的論題，單元策展人札第尼（Mirko Zardini）企圖以新的標準來檢視義大利的設計環境與現況。
論及古典美學，義大利的繪畫與建築都是不可或缺，絕對必須提及的課堂學習素材，但是當討論的焦點轉到當代的美術與設計上，往往會讓人不知如何為這個古老國家的新藝術作定位，這種尷尬尤其出現在當代美術的發展上，去年第五十屆威尼斯雙年展，策展人波纳密（Francesco Bonami）也針對這個現象設計了一個展出單元。同樣的，在建築設計界，義大利同樣面臨了這個窘境，這到底是世界主觀的歸納或者是客觀的現象？米蘭的設計中心是否能夠永遠舉起設計的大旗？
呼應「蛻變」的主題來看一個具有數千年古典美學基礎的國家如何將這些基本美感轉化到新的時空裡具有多重的意義，也說明了「蛻變」的基本精神不在產生新的元素，而是從舊有的元素裡經過轉化與基因的結構分解及重組產生的新生命體。就這一點而言，以義大利的經驗為展覽的主題則別具代表性。
單元策展人札第尼為義大利米蘭出生的建築師，經過雜誌編輯與學校教育工作後，目前擔任位於蒙特婁的加拿大建築中心（Canadian Centre for Architecture in Montréal）的策展人工作，因此藉由他的國際觀更可以幫助觀眾不僅體驗義大利建築設計的新趨勢，同時也可以延伸到思索每個國家的建築設計發展現狀並提供一個比較或參考的指標。
單元策展人將展覽分為八個子題：
義大利室內設計（Italian Interior）──
由攝影師羅塞利（Paolo Rosselli）與其學生共同完成的調查分析展覽，提供當前義大利米蘭地區的室內設計影像欣賞。
主體故事（Stories of Objects）──
是一個裝置作品展，將屬於一些演員或作家的日常生活中毫不起眼或者從不會被使用者注意的各種物件當作主題來展示，凝塑出一種幽默但又具心理與社會層面的分析觀點。這些物品如果是一個平凡的人物所擁有或許就沒有大麼大的意義，但是如果擁有者是社會上一些具藝術氣息或與藝術相關的專業人士所使用過，物件的意義被賦予了新的生命，從而與所屬的空間產生關聯，但是兩位藝術家Marco Ferreri 與Paolo Inghilleri卻將這些物品一一塞入女用絲襪裡，然後以形如柱體的長條懸掛於展覽廳，牆面四周則是這些擁有者的照片與話語。
門內－義大利電影中的室內設計影像（IN-doors: Images of Interior from Italian Cinema）──
電影有如時代生活的寫照，電影或電視劇中的環境設計與居屋設計表現了時代的精神，也使展覽豐富了意像。
再裝置（Re-installations）──
這是一個多重意涵的裝置作品。藝術家Andrea Sala依據1954年第十屆米蘭三年展（The X Triennale di Milano）由Achille Castiglioni 及 Pier Giacomo Castiglioni所設計的展覽場地於此單元中再現。除了第十屆米蘭三年展本身的重要設計指標之外，藝術家將這個展覽又搬演到威尼斯建築雙年展來，而且藝術家特別指稱就是根據這個展覽的再現，這中間出現的弔詭是五十年前的展覽以現在的角度來觀看，觀眾還會一樣的欣賞或是感到陳舊？故事的再現是老調重談抑或是新精神的啟發？這層層的交互辨證，讓展覽呈現了哲學的思考。
暫時轉譯（Temporary transformations）──
提出的是當前最熱門的議題，舊有空間再利用。尤其是古國義大利的歷史建築功能上已經無法符合現代生活的需求，或因地點、或因建築體本身的設計形式問題逐漸失去其舊有功能。在此設計師將這些舊有空間再設計，成為表演舞台或藝術展覽空間。
義大利生活24小時（24 Hours of Italian Life）──
呈現最生活化的義大利生活型態，怎麼樣的空間是義大利人最舒適且最樂於消磨時光的環境。
住家空間釋放（The home freed）──
談的是家居環境如何由傢飾來襯托空間的質感問題。
新故事．新設計（New Stories, New Design）──
展示幾個義大利設計學院學生的新思維，他們以新一代的眼光來發掘當今社會對設計的需求與問題，同時提出解決的方案。
極簡元素（Minimun elements）──
新都市空間的使用現象。
整個八大子題一路觀賞下來，如果要從中去實際抓取義大利設計師到底作了哪些設計案例，大概只有百分之三十的機會。那麼，這個單元的展覽重點又在哪裡呢？
首先我們應該跳脫的是看設計展覽一定是看設計案的習慣。設計來自於靈感與創意，同樣的道理，當談到設計時，如果只是最終成果的展示就只是一個表演而不是一個概念的呈現，因此「室內設計新資訊」所要給觀眾的也就是「新觀念」的啟發。展覽中鮮少出現特定建築的名稱介紹，這不是策展人的目的所在，而是觀眾要在這些資訊裡找出與自己相符的頻律與互動，然後這些激發出來的新意才會在腦中浮現。
或許這也是大多是觀眾容易忽略的一個參觀展覽的重點。
在威尼斯的幾天裡，這個展覽第一次看會覺得比起其他主題展的大師作品與設計案顯得微不足道，所以第二天又去看了一次，第三天又花了一些時間再轉了一圈，經過時間的沉澱財漸漸體會出其中的韻味。尤其是室內設計與舊有空間再利用的呈現，確實切中當前人們生活週遭所最容易碰觸的課題，比起一些大建築來說更為生活化，也更有實用性。
從蛻變中體驗新生活人文空間
不論是一個大型的建築設計案或者是小型的居家室內設計，越來越多的趨勢是朝向人與環境互動的關係的關注焦點。雙年展的其他主題音樂廳（Concert Halls）、插曲（Episodes）、變形（Transformations）、地誌學（Topography）、虛構夢想（Surfaces）、氣氛（Atmosphere）、超計畫（Hyper-Projects）、變形的光，浮動的影（Morphing Light, Floating Schadow）所展出的不論是大型建築計劃或是其他藝術家的攝影與裝置作品，都可以看出佛斯特已將「建築」一門專業當作是社會學與美學的思考範疇，甚至是以人類學的角度來重新面對人類居住與生活空間的設計問題與應變對策。
每兩年一次的建築雙年展，除卻建築設計師的大集合活動外，如果能夠帶給建築與設計界更多的啟發並且為人類生活空間作更好的詮釋，將是更多人所樂見的。（完）
Wilhelm Genazino, der große, stille Chronist der Bundesrepublik, der „Gesamtmerkwürdigkeit des Lebens“ und der kleinen Peinlichkeiten des Alltagsirrsinns, erhält den Georg-Büchner-Preis 2004. Der nach dem Revolutionär und Dichter Georg Büchner benannte Preis wurde erstmals 1923 vergeben und avancierte nach 1945 - in der Nazizeit fiel die Auszeichnung der NS-Verfolgung zum Opfer - zu Deutschlands mit Abstand bedeutendster Literaturehrung. Der mit 40.000 Euro dotierte Preis wird am 23. Oktober 2004 in Darmstadt übergeben.
德國境內大大小小的文學獎不勝枚舉，對獎勵文學創作與閱讀有非常大的助益。根據統計，德國翻譯外國文學的數量與速度居於全球之冠。全世界第一大圖書博覽會「法蘭克福書展」（Frankfurter Buchmesse）多年來能居龍頭地位；來比錫書展（Leipziger Buchmesse）急起直追，同時創辦德國文學大獎（Deutscher Bücherpreis）與法蘭克福的自由書獎（Friedenspreis）互別苗頭。
不過提到德國境內對德語作家獎勵最大的獎莫過於畢希納文學獎（Georg-Büchner-Preis）。今年六月由德國語言與文學學術研究院（Deutsche Akademie für Sprache und Dichtung）公佈，將這個獎金高達40,000歐元的文學桂冠獻給德國文壇獨行俠（Einzelgnger）威廉．格纳齊諾（Wilhelm Genazino）。
1943年出生於曼海姆（Mannheim）的格纳齊諾，就讀德國研究（Germanistik）、社會學與哲學，1965年以前擔任記者工作，自1971年開始決定以自由作家的身分專事寫作，目前定居於法蘭克福。
格纳齊諾的文名真正受到注意與重視是其三部曲《阿布沙菲爾》（Abschaffel，1977）、《摧毀憂慮》（Die Vernichtung der Sorgen，1977）、《錯誤的年代》（Falsche Jahre，1979）。格纳齊諾小說中的主角大部分是社會中的小人物，他深刻且細膩地描繪了平凡人物的日常生活與心理狀態，這樣的人物與生活情節貫穿了他一路發展的小說雛型。
1994年的作品《無家可歸的魚》（Die Obdachlosigkeit der Fische）、1999《櫃檯女職員》（Die Kassiererinnen）、2001《當日的雨傘》（Ein Regenschirm für diesen Tag）等小說的出版讓讀者見識到格纳齊諾對於角落人物的關懷與同情以及他冷靜又充滿情感的文字駕馭能力。
《一個女人、一間公寓、一部小說》（Eine Frau,eine Wohnung,ein Roman）
2003發行的《一個女人、一間公寓、一部小說》（Eine Frau,eine Wohnung,ein Roman）描述一個17歲少年被拒於學校的教育門外後開始一連串的自我追尋以及對未來人生的懷疑，幸而少年有一個極為了解他的母親，他在獨立人生的起始找到了一輩子的最愛──文學。他開始學習當一個記者，同時在工作的期間遇到了心靈的伴侶玲達（Linda），他們可以互相傾聽，同時一起討論文學與文學理論。可是玲達無預警的自殺身亡深深在他心中烙下不可磨滅的傷痕。
這本書被稱作是格纳齊諾的自傳小說，小說中的人物在生命情節中成長，個性鮮活令人感覺宛如真實人物，在德文中稱作「Entwicklungsroman」（勉強可稱為成長小說，有點難翻譯）。是格纳齊諾的巔峰之作。
頒獎典禮將於十月在達姆施塔特（Darmstadt）舉行頒獎典禮。格纳齊諾自今年起成為巴發利亞學院院士（Mitglied der Bayerischen Akademie der Schönen Künste）。
威廉．格纳齊諾曾獲文學獎項（節選）
Förderaktion für zeitgenössische Autoren (1982).
Westermanns Literaturpreis (1986).
Bremer Literaturpreis (1990).
Solothurner Literaturpreis (1995).
Stadtschreiber von Bergen-Enkheim (1996+97).
Großer Literaturpreis der Bayerischen Akademie der Schönen Künste (1998).
LiteraTour Nord. Kranichsteiner Literaturpreis (2001).
Kunstpreis Berlin (2003). Georg-Büchner-Preis (2004).
Im Gegensatz zum anderen deutschen Wettbewerbsfilm, "Die Nacht singt ihre Lieder", hat das Berlinale-Publikum den Film "Gegen die Wand" von Fatih Akin mit Begeisterung aufgenommen.
說來可能你不會相信，而我也是真正住在德國之後才發現這個奇特的現象：德國境內土耳其人人數之多超過想像，有時我甚至懷疑我到底是在德國還是在土耳其。根據統計，全世界土耳其人數最多的三大城市，第一是伊斯坦堡，第二是安卡拉，第三大城市不在土耳其境內而是在德國的首都──柏林。
故事要回溯到1961年。
德國與土耳其政府簽定「德國勞務市場向土耳其招聘勞動力協議」，德國向土耳其招募勞工，期滿兩年勞工必須返回，但是一紙協定卻毫無約束力，土耳其人一待下來後就不再回到祖國，四十多年下來早已出現第四代土耳其後裔了！可是同時衍生出的問題確曾出不窮，儘管土耳其勞動階級多，為德國的勞動生產力建樹不少，可是慕斯林教派的宗教影響，土耳其人在德國自成一個社會，他們住在德國，過的卻全然是土耳其的生活。尤其是柏林的Kreuzberg這一區，簡直就是另一個小伊斯坦堡。
其實對這種現象我是暨愛且恨。土耳其人做生意就像台灣人一樣，會想方法吸引顧客，偶爾給個小惠或是少算些零頭，都讓我這個台灣來的異鄉客感覺特別親切，不像一些德國佬，想要買東西得看他們臉色，買個水果卻不讓我挑，這叫我怎麼買得下去？我們的原則是不但眼見為憑，還要捏一捏、敲一敲肯定沒問題才會放進袋子裡。
土耳其人不一樣，隨便你摸，還猶豫的時候就切一塊讓你嚐嚐，如果下了決心買了，老闆又會多放一些在袋子裡。他們還會學幾句「你好！」、「謝謝！」、或是「再見」讓人不好意思空手離開。
不過真正對德國產生問題的當然不是買賣的問題，而是這些生活模式的無法協調。我真的很佩服中國人的適應能力，往往在異鄉成就特別的事業讓人刮目相看；當然也有許多優秀的土耳其人，但是根據統計，許多生活在德國的土耳其人一生到老並不會講德語，因為他們完全生活在自己起來的象牙塔裡，他們完全無法適應外在的社會。這種問題德國政府也大傷腦筋，甚至想方設法要這些土耳其小孩學會德語能夠融入社會生活，減少社會的問題與負擔。當然這不是要土耳其人背宗忘祖或是放棄自己的文化，生活在異鄉的中國人從來沒有這種問題，真正的關鍵在土耳其人的宗教信仰上。
社會的多元當然讓德國更為有包容性，只是我有時會突然晃神，懷疑自己究竟是不是生活在德國。
這種現象當然一些聰明的土耳其人也感覺到了，他們發現了移民德國的土耳其人現象，有人以音樂、有人以文學、還有人以電影來反映當前的現象。終於這個風潮在今年柏林影展中受到注目，土耳其導演亞欽（Fatih Akin）所執導的電影「愛無止盡」（Gegen die Wand－德文片名/Head on—英文片名，不懂台灣為何取這個片名）奪得最佳影片金熊獎，不僅讓德國奪回失去多年的金熊獎座，更讓德國人對土耳其人刮目相看。當然土耳其人的移民問題又一次被放在公眾的討論焦點下。
這是一部令人感動的移民故事：Cahit 與 Sibel是兩個出生在德國的土耳其人，為了幫助Sibel離開極為保守的土耳其家庭，Cahit決定與她結婚並同住一個屋簷下，但是Sibel仍保有全然自主的性生活。剛開始Cahit輕鬆以對同時發現這是人生的一個新意義──他覺得自己還有能力去幫助別人，但是長久的共同生活讓他在心中慢慢產生對Sibel愛意，同時他也開始羨幕甚至是忌妒起Sibel的許多性伴侶。終於強烈的忌妒心讓他失去理智殺了Sibel的愛人，Cahit也面臨了服刑的命運。
1980年代在德國約有128本著作由土耳其人完成，其中談的大多是移民的問題，可是第三、第四代的土耳其移民著作談論的不再交移民問題當作是藝術創作的核心，現在他們以德文來創作，表達大社會中的現實問題。這是生活在德國的土耳其人面臨的新問題。
The Museum of East Asian Art is holding the first substantial solo exhibition of the artist Xu Bing to be held in Germany. Xu Bing is currently staying in Berlin on a Coca-Cola Fellowship from the American Academy.
未見到徐冰以前，在我的想像中，他可能是一個高頭大馬、目光炯炯的藝術家，隨時都計畫著要做的事。我們本來應該在德國漢堡的「媒體之夜」中先見面的，結果他卻因為簽證問題被滯留在奧地利維也納。
當晚德國媒體一陣「搶人瘋」，名為給媒體工作者的輕鬆聚會卻因一些重要的人物與藝術家參與成了額外的工作夜晚。許多媒體記者癡癡盼望徐冰的神情，讓我見識到徐冰在西方媒體界的魅力，以及一位中國藝術家在歐洲所受到的重視。錯過了這次碰面的機會，徐冰還是只留在我的想像階段。
又過了一個多星期，也是他在德國柏林個展的前一天記者會上，遠遠的就看見一個個子不高、留著不太整齊髮型、戴著一付黑框眼鏡的中國人正安靜專注地擺放作品。他與我原來的想像有極大的出入，有些靦腆，而且很沉靜。
徐冰作品
問：
大部分人提到徐冰，也會同時提到你的作品「天書」，兩者幾乎化為等號，許多的訪問也都談了這件作品。今天我們就換個方式，從你剛為柏林東亞美術館的全新作品談起好了。這三件作品的創作靈感來自哪裡？
徐：
在柏林的幾個月時間裡，我思考作一些新的作品，但是我的行程很多，來去匆忙，留在柏林的時間其實不多。還好美術館的研究人員協助我多了解亞洲分館的歷史，我發現一個有趣的事：二次大戰之後，蘇聯攻入德國，同時也一併帶走了館方的收藏，時至今日仍有90%的收藏在俄國人手中收中尚未歸還。我注意到這些久未回家的寶物，尤其是一些水墨作品，其中有許多精采的名家創作。
於是我興起以自己的創作方式還原這些作品到館方的想法，同時也承續我以前的作品，表達「表裡不一」的概念。作品名稱就叫做《背景故事》（Background Story，2004），我故意讓觀眾去看作品背後的真相，以正反面來對照差異。
問：
這三件作品將來就歸館方收藏了嗎？
徐：
展覽結束大概就沒了吧！作品只是利用一些磚塊、枯樹枝搭起來的東西，從背後看就知道，大概沒什麼好收藏的。這也如同我說的，美麗的表象之下往往是不堪入目，我要傳達的也就是這個觀念而已。
問：
那麼今年三月剛獲Artes Mundi國際當代藝術獎（註1）的作品「塵埃」（Where Does the Dust Itself Collect?，2004）所要表達的也是類似的意念嗎？
徐：
一切終將歸於塵土，再絢爛也是短暫的。
問：
「塵埃」是特別為這個大展所創作的作品嗎？
徐：
其實我一直有收集東西的習慣，家裡還有一部天安門事件中被坦克車壓壞的腳踏車，收集這些東西的當下並沒有什麼特別的目的。紐約的雙子星大樓倒塌後所留下的灰燼我也到現場收集了一些，當時也沒有想到有一天會用到它，只是有一個念頭──它們應該被保留下來。這些灰燼並不容易保存，所以我以我女兒的一個娃娃為模型將所有的灰燼凝固起來，一來不易散落，再者容易攜帶。直到去年（2003）上海雙年展受邀，我決定以這些灰塵為材料創作，「塵埃」也大約在這個時候完成概念。
可是主辦單位希望避開政治的敏感話題，或許這件作品出現的時間與地點在當時都不合適，因此也就不了了之，沒有在雙年展中展出。一直到入圍英國卡爾地夫的藝術大獎，入圍者需要準備展出的作品，剛好「塵埃」這件作品完成不久，所以是第一次出現在展覽中。展出期間反應很好，許多觀眾都靜默的欣賞作品，完全不需要導覽員的介紹。這也是我預期的，作品要自己就能夠說話，解釋太多就不是一件好作品了！
問：
可是這次你在作品中卻加了文字，為什麼是以英文來表達「本來無一物，何處惹塵埃」的禪宗思想呢？看起來似乎是一個矛盾？
徐：
英文是當今世界最普遍共通的語言，以英文來表達就省卻用中文卻又需要翻譯與解釋的工作，自然作品的純粹度便會提高。語言只是一個工具，我要運用它但不能讓它使作品變複雜，而是應該更清楚簡單才對。
問：
這件作品除了其本身的震撼性之外，如果就文字的內容來說，你還是使用了「禪學」為主軸。為什麼是禪學？對你的意義又是什麼呢？
徐：
禪宗適合中國人的思維，生活中也比較管用。我不喜歡將簡單的事情複雜化，世情是越簡單越好，藝術創作也是相同的道理。許多事也不必說得太多或太明白，因為怎麼說也說不清。這也是我的生活基本態度。
問：
去年你的另一件新作品《鳥語》（Bird Language，2003）好像也是提到了語言的問題，但是用了不同的形式表現。
徐：
這件作品還沒有佈置起來，我會將作品懸掛在展覽入口的地方，如果你注意一下，往鳥籠底部的按鈕一按，鳥就會發出聲音來，鳥籠上的文字其實是幾年來被問到有關藝術的問題與我的回答，諷刺的成分多。
徐冰作品
問：
我們再往前談到「天書」這件作品，是否也可以這樣解釋？或許當時你並沒有對政治或文化本身有直接的控訴或想法，反而是後來許多西方學者強加附會的結果。甚至解構大師的理論都出現了，你與哲學家德悉達也作過對談。
徐：
我創作這些時根本沒讀過這些理論，如果讀了可能反而做不出來了！
當時我只是刻意要作假但又要做得像真的，第一年就刻了2000多個字，心理很踏實，感覺作了一些事讓心理舒坦很多。我只是努力認真地作了一件什麼都沒有的事，說穿了就是「矛盾」以及我剛說的「表裡不一」。這件作品自從第一次在國外展出後，一直不斷到處巡迴，到現在還沒有回到我的工作室裡頭。
問：
這就好像你目前的生活一般，展覽行程幾乎佔據了大部分的時間，可是你如何讓自己的腦筋清明，隨時保持創作的動力，同時又在每個行旅中體會不同的文化？
徐：
我對很多事其實要求很高，比如說明天就要展覽開始了，現在我們還在忙著佈置，因為我總是對一些細節不滿意。不斷的思考反而讓我有新的想法出現。在不同的地方旅行自然就會產生新的念頭。
問：
展覽畫冊也是昨天才剛印好的，館方還一度擔心開天窗。
徐：
德國館方給了我很大協助。我在柏林待的時間並不多也不長，行程總是匆忙，但我覺得腦筋還是可以很清楚去感受，去觀察不同的事物。大概中國人比較能夠在這種緊湊的行程中找到休憩的方式。
問：
開展後或許有多一些放鬆的時間吧？
徐：
過幾天我就回紐約了！還有一些新的計畫在進行，或許在國內有展覽。
＊ ＊ ＊
第二天傍晚畫展開幕，賓客雲集，許多德國觀眾慕名而來，遠自美國、西班牙的策展人也都參加了盛會。開幕後的私人晚宴上，徐冰獲得了在場所有人的掌聲，顯然徐冰不只是他這個藝術家的名字吸引了觀眾，而是以作品贏得了尊敬。
繼柏林的展出之後，徐冰將在上海外灘三號滬申畫廊舉辦旅居國外十餘年後的第一次大型個展，由巫鴻策劃展出，《菸草計劃》將在個展中出現。
藝術家在我心中改變了原來的印象，因為他的乾淨與簡單。
訪談時間：25, 06, 2004
訪談地點：德國柏林東亞美術館（Museum für Ostasiatische Kunst, Staatliche Museen zu Berlin）
註1：The Artes Mundi(‘Arts of the World’) Prize，由英國威爾斯卡爾地夫國家美術館主辦，從超過350位藝術家中挑選十位入圍者，經過評審頒發四萬英鎊給其中一位藝術家。徐冰為The Artes Mundi Prize的第一位得獎者。
展覽：徐冰在柏林（Xu Bing in Berlin）
時間：27, 05~01, 08, 2005
地點：德國柏林東亞美術館
展覽：徐冰個展《菸草計劃》
時間：21, 08~22,09, 2004
地點：中國上海外灘三號滬申畫廊
"If you come from an embattled background, there is often an expectation that your work should somehow articulate the struggle or represent the voice of the people. That's a tall order, really. I find myself often wanting to contradict those expectations."--Mona Hatoum
《正與負》，裝置，1994~2000
生命如此沉重，身體的苦痛成了穿越酸澀的起始。
提起莫娜．哈同姆（Mona Hatoum），幾乎所有的文字介紹一定先從她的出生背景與性別談起，似乎這是了解藝術家作品的第一把鑰匙。但是讓我們在這篇文章中反其道而行，先來談藝術家的作品再回過頭來了解其背景，或許對藝術家以及作品是比較公平的對待。
＋與－、加與減、正與負
時間的輪軸總在不經意中一點一滴流逝，以「時間」為主題的藝術創作多不勝舉，今年台北美術館也以此作為典藏主題展。但是在哈同姆的作品《+ and–》裡，時間是在流動而且更怵目驚心的是流逝之後毫無痕跡。《+ and–》置放於漢堡展覽廳的入口中庭，策展人Christoph Hennrich解釋展覽以此作開場，點出了藝術家對事件背後的「時間」以及交互的關係著墨更多的關心。這樣多愁傷感的主題在哈同姆的處理下，一如她作品的批判基本調性，不如其他藝術家在處理相同題材時表現的詩意。
四公尺長的直徑圓盤置滿沙礫，中軸則有一個順時針方向旋轉如釘鈀的鋼製轉軸，當一方在沙盤上畫下時間的烙痕，軸心半徑的另一端則是撫平痕跡的「殺手」。在此，藝術家透過「時間」的概念觸及社會對事件關注的態度，以及人們如何試圖抹去曾經發生的過程，哈同姆不只是一個善感低吟的歌手，更多的傾向是以藝術反應社會荒謬與不公的旗手。
她不願如一般人掩耳遮眼粉飾太平，反而不斷拉扯出人們內在的矛盾掙扎同時予以具象化。就如這件開場作品《+ and–》同時道出了世界強權的主宰。不過這件作品在所有展出中算是最溫和而不具太多感官傷痛的寓言。
《家的束縛》，裝置，2000
桎梏．痛處
接下來走上展覽廳二樓，哈同姆的作品開始強力地從精神感官鬱悶與肉體軀殼傷痛的交界不斷強化其臨界點。觀眾開始對這些處理得極為簡潔甚至是「乾淨」的作品產生初始的逾越感，不若一些藝術家一開始就將作品表現得如洪水猛獸般跋扈，哈同姆的作品顯然簡潔而不複雜，但是一一仔細端詳內容後卻反而開始懷疑起生活裡的約定俗成是否那麼令人快樂，這種驚疑恐懼經由作品的每個角落慢慢傳遞到觀者的感覺深層。
首先是一部表演藝術的紀錄片。哈同姆雙腳綁著一雙鞋子緩步驅行，她光著雙腳卻讓一雙鞋被拖行著，走在街頭從大街走到小巷，路旁的行人不是投以怪異的眼光就是互相竊笑私語，沒有人上前詢問也沒有人試圖阻止，似乎一場荒謬劇在街頭上演只是「他人的故事」一切都與自己無關。或許當我門身在其中也會不自覺得如同其他行人一般，但是當一切成為錄像，陸上行人成為表演中的一部分對照時，身為觀眾的我們恐怕沒有辦法如同影片中的路人毫不在乎或輕蔑取笑，取而代之的是一種悲憫的沉痛。
表演本身不再只是一個表演，而是生命舉步蹣跚的再現，路人的竊笑就如同世俗過眼雲煙的歡娛，載不動如此沉重的負荷。
到底莫娜．哈同姆要說些什麼？
再循光影前進，兩個懸吊的燈泡緩緩由上而下、由下而上移動，四周則是由一個個小鐵籠所搭起的大圍籬，光影在空間的牆面隨之移動，形成一個個交疊的網狀陰影。分明是小鐵籠，觀賞者可以走進走出沒有約束，可是牆面的光影雖然只是觸摸不到的影子又有如真正的囚籠將人團團圍住在整個空間裡頭。《光影物語》（Light Sentence, 1992）以實探虛，卻又以虛觸實，光與影是主角，人物是困在裡頭的囚犯。
接下來莫娜．哈同姆將觀眾帶到家居生活裡，眼前一切所見都是家中的生活用具或家具，但是裡面卻大有文章。
一面普通的鏡子，正中央卻寫著「你仍然在此」（You are still here），令人突然一股寒意由內而生，鏡中的我是否就是真正的我？我是否仍然真實存在於此？這個肯定的句子卻產生了極強烈的質疑訊息，尤其在面對鏡中自我或者由側面攬鏡，鏡中的我並不存在，反射的的只是其餘角落的影像。「我」在鏡中世界消失了，可笑復可悲的是鏡中的一句「你仍然在此」充滿了諷刺與懷疑。
一張嬰兒床，看似安然舒適，再往前一瞧，欄杆圍起的小床竟然不是舒服溫暖的被褥而是放大的切蛋器（歐洲人將水煮蛋切成片狀置於麵包或沙拉中的機器）；偌大的三面屏風，竟是放大後的廚房用具，用來將蔬菜切絲或是起司磨碎的工具；然後是放在展廳正中央位置的一小張腳踏墊，上面一個親切的「歡迎」，但是千萬不要誤踩上去或者試圖觸摸，上面充滿了無數的鋼針，迎接的背後是一把利刃。
一張餐桌上擺放著一副餐具，餐盤上是播放著人眼珠特寫的影片鏡頭，到底這個社會是吃人的世界或者是人冷眼旁觀吃的世界？
再往下一個展覽廳一瞧，一個大的獸籠裡沒有動物只有一組洗臉盆，《Cage-à-deux, 2002》警示了親密關係的危機。
政治，不可抗拒的宿命
莫娜．哈同姆的作品裡有著及強烈的政治意涵，即使普通人都能一眼瞧見。
《穿過我的死亡身軀》（Over my dead body, 2000）以數以百計的小兵士模型成排布滿牆壁邊緣，另一張圖片上一個士兵玩偶走上藝術家的鼻樑，槍口朝著眉心，藝術家怒顏以對。
第十一屆卡塞爾文件展中展出的作品」《家的束縛》（Hombound）是一件精采充滿寓意，卻又觸動人心的大作。房間中充斥著家庭裡的大大小小家具，讓遊子一見有一種回家的親切感，可是卻是不得其門而入，外面圍繞著鐵絲網，形成了隔離，每一件家具似乎都通上了電流，輪番發出通電的聲響與燈泡的光量。家，成了一種歸不得的渴望，內部存在太多的危機與束縛。
一件中東的傳統布料，充滿異國風味，但是對來自此地區的人們而言卻是另一個家的感覺。為什麼一塊簡單的布料竟然鎖在玻璃櫃中？令人不感置信的是織布的原料除了紡紗之外還有藝術家的頭髮，一塊120公分見方的布料用了七年的時間來完成。《Keffieh, 1993 – 1999》直指了對家鄉一切熟悉事物的渴望，髮絲是一種聯繫與牽絆，同時也是精神的回歸。但是為何只能在編織裡幻想事實？是有家歸不得或者是家已不再是家，僅存的只有這麼一些些微的記憶。
她，來自黎巴嫩
一路走來的作品欣賞之後或許對藝術家的背景開始會有一些概念了。1952年出生於黎巴嫩的巴勒斯坦人家庭，成長的背景已經比許多人有著更複雜而難解的國家認同與身分定位。或許這就是為什麼許多評論文字總要先描述藝術家的成長身分，這個特殊的景況或許在世界上是獨一無二的，當然除了台灣不被承認是一個主權國家之外，至少我們還有一個立基之地，可是對巴勒斯坦人而言，在黎巴嫩出生並不表示已經成了黎巴嫩人，因為他們找不到一個可以安身立命的土地。
1975年定居英國倫敦，藝術家從此與「家鄉」有了距離，可是這個「家鄉」卻又模糊不清，沒有屬於自己的味道。
於是在莫娜．哈同姆的作品裡不斷的出現「家」的意象與「政治」的符號。這兩個主題圍繞著她的思慮與生活，日復一日反覆不歇，於是以身體去試鍊並衝破枷鎖與藩籬成了她必須走的道路。
哈同姆的藝術表現形式包含了表演、錄像、影帶、裝置，單純、乾淨的作品為她贏得極簡主義雕塑（Minimalist Sculpture）與觀念藝術家的歸類。確實，她的作品中不是要去高談闊論人生哲思或形而上的精神生命道理，而是透過這些作品反應一個存在的事實與狀態，以及一個藝術家面對身分認同的荒謬提出質疑，這個認同不僅是國族式的，還有性別上的與情感上的。她不斷在創造精神與肉體、物質與靈魂的對應與矛盾，而最重要的是「人」的存在性。
哈同姆如此描述自己的作品：「你首先對作品有了身體上的經驗。但是我希望作品能夠開啟感性與理性的兩個層面：其中的意義、關聯、組合透過身體的感知提昇到精神或是純粹想像的境界，讓你所見能與你所想結合為一。」
由這段話就可以窺知藝術家的作品創作策略與風格，難怪欣賞她的作品總會感到身體的痛處，然後腦筋開始去想像未曾經歷或者經歷過的經驗。
《外望》，三面影像，2004
海港漢堡
一群人隨著策展人穿過漢堡展覽廳的當代藝術館與舊建築大廳的地下道，再往就大廳的廳堂一站。令人嘆為觀止的拱圓形大廳牆面正播放三個大螢幕組合而成的德國漢堡街景，熟悉的是，三個畫面其實就來自漢堡藝術展覽館的幾個方位，正面是漢堡火車站，兩旁則是其兩側街景。
從來沒有這樣看過漢堡市，原來從美術館的方位望出去的漢堡有著不一樣的氣味與音響。因為看起來不太像漢堡，大家熟悉的另一面是海港、艾斯特湖、教堂，但是在這裡只有火車站屋頂以及大馬路。我想真正的漢堡人可能體會又是不同的，它讓我思索我在哪兒？即使我也住在這裡。
作品名稱不叫漢堡而叫「外望」（Lookout, 2004），或許藝術家不意於呈現漢堡而在表現一個不同的視野。這也是整個展覽60件作品的壓軸之作！
值得一提的是，這是哈同姆繼英國、美國後，在德國的首次大型完整創作檢視與新作發表展，展出作品包含了藝術家每一個創作階段的重要作品，同時藝術家對此展出的重視讓她早早就在漢堡籌備。
藝術大獎
今年可說是莫娜．哈同姆豐收的一年，繼獲得丹麥哥本哈根大學兩年一度的藝術大獎（Sonning Prize）之後，又再接獲更大的消息。堪稱歐洲極為重要的藝術大獎之一，由瑞士Roswitha Haftmann基金會所頒發的歐洲藝術大獎（獎金120,000瑞士法郎）公佈哈同姆為今年獲獎者，之前得獎人包括Walter de Maria、Maria Lassnig、與Jeff Wall。頒獎典禮將於今年十一月於瑞士蘇黎世的藝術之家舉行。
同時哈同姆受德國DAAD文化學術交流總署邀請於柏林擔任駐市創作藝術家一年。繼漢堡藝術展覽館展出之後，展出作品將巡迴於波昂與瑞典斯德哥爾摩。（完）
莫娜．哈同姆重要個展紀錄
1994 法國巴黎龐畢度中心（Centre Georges Pompidou, Paris）
1997 大型創作展由美國芝加哥當代美術館（Museum of Contemporary Art, Chicago）策劃展出，並巡迴於紐約新當代美術館（The New Museum of Contemporary Art, New York）、MoMA、英國劍橋、與愛丁堡蘇格蘭國立現代藝術畫廊（Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburg於1998）
1999 義大利Turin
2000 英國泰德畫廊（Tate Gallery, London）
2003 美國紐約MoMA
2004 德國漢堡、波昂、瑞典斯德哥爾摩
展覽：Mona Hatoum
地點：德國漢堡Hamburger Kunsthalle
時間：26, 03~31, 05, 2004
地點：德國波昂Kunstmuseum
時間：17, 06~29, 08, 2004
地點：瑞典斯德哥爾摩Magasin 3 Stockholm Konsthall
時間：09, 09~19, 12, 2004
„Ich habe in meiner künstlerischen Arbeit eigentlich nie an politische Ereignisse oder den Zustand der chinesischen Gesellschaft gedacht. Ich versuche nur, präzise meine Gefühle auszudrücken.’--Fang Lijun
生活即現在──方力鈞的生活美學
九零年代以後，中國的前衛藝術走到了第二個關鍵的發展階段，有別於八零年代中期以政治批判為對象，控訴中國傳統文化與西方價值的衝突。此時期的藝術家將西方的藝術觀念當作是一種新的知識來吸收，同時關心的是更切身的現實生活問題。方力鈞的作品在這個階段成為代表之一。
以「中國前衛藝術」一詞來談論中國的當代藝術發展，首先必須與西方藝術史中的「前衛藝術」（Avant-garde）概念分開來談：後者純粹是對藝術本身的反動，前者則離不開對政治的反撲。或許因為這個概念的理解，一般西方觀眾談到中國前衛藝術總是非要再作品中找到與「政治」有一點裙帶的關係，成為世界藝術中國熱潮時的一個怪現象。
藝術評論家粟憲庭將中國前衛藝術的第二個發展階段中一個重要的里程稱為「完是寫實主義」。此時期藝術家如王廣義、張曉剛或者是方力鈞的作品標示出當代中國人對現實生活的無聊情緒與無奈的生活感覺。
方力鈞的作品中不斷出現「光頭」的人物形象，表情不是呆若木雞不然就是一種毫無情緒性的傻笑表情，作為「人」的個別特色消失於無形，取而代之的是毫無懷疑的集體主義。「光頭」成為方力鈞作品的一個標記。
除了「光頭」這個早已烙印在世界藝術的舞台的形象之外，方力鈞對於作品背景的處理也有一個共通性：花團錦簇的多彩與雲霧縹緲的高山將畫面與現實的世界徹底的隔絕開來，充滿了極為強烈的不真實感。這些意象不斷重複出現，讓觀者開始產生對生活的懷疑，恰與真實生活的教條產生矛盾的對立。
我不確定方力鈞是否以這些矛盾對立在作品中出現的頻率找到情緒發洩的出口，但至少他反映了中國大陸某部分六十年代以降出生的一代對於當下生活價值的質疑，但是又不像早十年前出生的一代那麼叛逆與反動，似乎抱怨但又有一種消極的接受態度。
認識方力鈞的作品比認識方力鈞本人來得早，因此我更可以藉此毫無束縛地去欣賞作品。為什麼如此強調？這實在是有趣的問題。未見方本人以前，我大概從作品中約略認識了藝術家，可是當方力鈞頂著光頭猶如從他的畫中走出來的人物與我交談後，我總是無可避免的將藝術家的形象植入作品裡。這是好是壞其實也難下定論。或許是作品真實的為藝術家表達了想法，或者是藝術家為作品找到依歸。
與方力鈞交談或者是觀察與其他人的互動，都可以看見其實他有隱藏的掙扎。這個掙扎不在於要去刻意作假或是討好別人的矛盾，而是如同畫面中人物對現實情境的無奈或是消極的承受，即使因為時差與旅程出現疲累，他還是很難開口拒絕一個接一個的訪問行程。種種的人情事故就如同作品中越來越多俗艷的色彩，反映了氾濫的消費文化傾向，可是人在江湖中卻是身不由己。
方力鈞此次在德國柏林所展出的八件油畫作品都是今年新近完成的，有幾幅甚至是展出前一個月才簽下名字、放下畫筆；而畫廊的三樓則是展出2000與2001年的木刻版畫。
版畫作品雖然仍然以光頭的人物為主角，但卻呈現出與油畫作品全然不同的情境氣氛。方力鈞在學校的專業即是版畫，他在版畫創作技巧與形式的掌握上比油畫給人的震撼性更大，充滿了張力與力度。如果要說油畫是方力鈞外顯的個性表徵，木刻版畫則是他內在原型的顯現。
方力鈞在世界藝壇成名恰好以屆十年，十年的光景改變了社會的樣貌，藝術家的作品是否也跟隨歲月的蹤跡找到新的或是更廣闊的方向應該也是眾人的期待！
展覽：方力鈞－生活即現在
Fang Lijing—Leben ist jetzt
地點：德國柏林，歐赫斯畫廊
Alexander Ochs Gallery, Berlin
時間：17,05~03,07, 2004
"BYARS-James Lee, internationally renowned artist whose work concentrated on minimal hermetic forms, reduction towards essence and absence, and an acute sense of the ephemeral, died on Thursday, May 23, 1997, at the Anglo-American hospital in Cairo, Egypt. He was 65 years old."
- The New York Times, May 24, 1997
《The perfect love letter is I write I love you bachwards in the air 》，1974
詹姆斯李．拜亞（James Lee Byars，1932~1997）被稱作是「寂靜的魔術師」（magician of silence）。他的作品經常潛藏著巨大的詩意，而且總是出現片刻就倏乎消失，融合了想像與現實的魅力，將自己置身於作品之中，創造出最動人的一剎那。即使藝術家已經去世七年，他仍然藉由充滿絢麗的作品「還魂」，整個展覽場地似乎還感覺得到拜亞隨時出現又頓時消失的神秘感。
在這個回顧展中，策展人以編年的方式，一個展覽室接一個展覽室地呈現拜亞的創作歷程，觀賞者正可以藉由這樣的安排順循著藝術家的足跡體驗瞬間（suddenness）與片刻（duration）交集與張力。
1970年的影片《自傳》（Autobiography，1970），拜亞竟早已大膽的在片中採用了數分鐘全黑的畫面與寂靜無聲的世界，接著是一個極為細小的藝術家身影遠遠地站在攝影機的千里之外，以二十四分之一秒的速度出現，復又消失在一片黑幕之中。接近尾聲，觀賞者開始懷疑這個影像是真實出現過或者只是一個幻影；抑或是根本只是一道光線還是影片本身出現瑕疵。拜亞以此自傳影片回應了1930年代班雅明對靈光乍現的理論分析，同時也再次詮釋了藝術品經由機械轉換後在觀賞者眼中的意象已不復原有的吸引動人了。
《死亡遊戲》（The Game of Death，1976）中，拜雅直接以表演來演譯死亡的消失現象，同時也直接說明他對於「瞬間消失」這個現象的熱衷與狂熱：他與12為穿著黑色素衣的醫生站在科隆（Köln）大教堂旁的一家旅館Dom Hotel的13座陽臺上，所有人同時發出在口中發出”忒”（th）的聲音（註1），接著，所有人在一瞬間同時消失於無形。
1994年拜亞又來到德國科隆，這一年他主要是接受Wolfgang Hahn藝術大獎。他又是一身黑的打扮，但卻加上了眼罩與帽子，俺然是「蒙面俠蘇洛」的化身。當他翩然出現在現場，給了現場來賓一個《完美的微笑》（The Perfect Smile），他的作品就在短短的瞬間出現又消失，同時也是科隆路德維博物館（Ludwig Museum）第一件「非物質性」（immeterial）的藝術收藏，同時也是藝術史上的第一件。「完美」一詞自此有了新的詮釋：完美，是的！但已經成為過去式！類似的表演還有在早前（1974）於比利時布魯塞爾（Brussels）的Palais des Beaux Arts廣場前，拜亞的打扮是全身純白，以手指在空中筆劃，這叫「寫在空中的情書」。在錫恩美術館中這個《完美的微笑》將會在影片中每天出現一次。
《完美的玫瑰花桌》，1989
展覽場中最令觀眾感覺浪漫的是重新呈現的《完美的玫瑰花桌》（The Rose Tabel of Perfect，1989）。3,333朵新鮮的紅色玫瑰含苞待放，在展覽期間從綻放到凋謝。
策展人歐特曼（Klaus Ottmann）在記者會中陳述了這個展覽的獨特性：「《生命．愛與死》這個展覽是藝術家於1997年過世後的第一個具有論述性的回顧展。展覽的重點在呈現藝術家精神狀態與藝術觀念的緊密度，去除藝術家在展覽中以表演的形式強化作品的深度，這一次我們著重於藝術家作品本身的純粹度以及在藝術史與哲學詮釋的重要性。」如果身在現場或許就真的能夠感受到策展人所要表達的：斯人已遠，但精神長存。拜亞的作品不只是觀念藝術，也不像波依斯要控訴社會的現象，因為藝術家所欲體現的正是生命與死亡的模糊地帶，並以「愛」來緩衝兩者的對立，以「瞬間」片刻跨越到「永恆」的國度。
拜亞的表演是一例，但是他的裝置作品相同的不斷在追尋「完美的永恆」。
17.5公尺高的黃金色巨塔（The golden Tower, 1990/2004）矗立在展覽大廳，仔細一瞧，高塔圓周刻滿以英文和德文的藝術家自述，有如日記一般描述生活細節與感想，黃金高塔在燈光照射下出現通透的漂浮感，象徵藝術家心中的巴比龍（Babylon）；《馬賽的紅色天使》（The red Angel of Marseille，1993）在300平方公尺的空間裡擺放了1,000顆紅色玻璃球，製造迷幻效果；《拜亞之死》（The Death of James Lee Byars，1994/2004）如同《完美的玫瑰花桌》的方式重塑藝術家表演之後的景象，整個空間充滿金箔，場中即是當年拜亞橫躺以示死亡軀殼的位置。即使藝術家不復存在，策展人卻讓藝術品獨立存在，同時藝術家藉由其藝術品還魂歸來。
《拜亞之死》特別令我有戰慄的精神狀態出現，不是恐懼害怕而是一種接近永恆的無知透過藝術家的作品讓我似乎抓到了一絲訊息：當年拜亞就躺在金箔之中，他暫停呼吸、停止動作宛若死亡，但他卻不是為自己舉行告別式或哀唱輓歌，而是藉由這個表演將生活與死亡、存在與消失、起始與終結、無形與永恆的矛盾消容於一體，用寧靜的愛來包容一切。
因此我才會有這種感覺：拜亞或許就在某個角落，突然現身24分之1秒，再來一個《完美的微笑》！
展覽場地一景
柏恩哈德在其小說中寫道：「每個個體的存在都是獨一無二的，每一個存在都被創造為最偉大的藝術品。」（註2）以這段文字來描述拜亞的作品與其生命恰是一個註解。
註1：這是從希臘單字thanatos所衍生出的音聲，此字彙的意思為死亡。
註2：柏恩哈德（Thomas Bernhard，1931~1989），奧地利作家。此段文字摘自其1983年著名小說「失敗者」（Der Untergeher）。
詹姆斯李．拜亞簡歷
1932 出生於美國底特律(Detroit, USA)
研讀藝術、心理學與哲學
1957 中斷所學定居日本京都一直到1967年，學習佛教、禪修以及日本能劇
開始學習日本傳統製紙術，後來使用在其作品中
1972 受史澤曼（Harald Szeemann）邀請參加第五屆卡塞爾文件大展
欣賞波依斯才華，陸續完成《給波依斯100封信》
1997 去世於埃及開羅(Kario, Egypt)
2000 《給波依斯100封信》於德國展出
James Lee Byars: Letters to Joseph Beuys一書出版
詹姆斯李．拜亞曾受邀參與的國際大展
1980與1986威尼斯雙年展
1972、1977、1982連續三屆德國卡塞爾第5、6、7屆文件展
James Lee Byars
*1932 Detroit / MI - 1997 Kairo / Ägypten
Objekte, Installationen, Performances
Konzeptkunst, skulpturale Grundformen wie Kreis oder Kugel
1965 Performance "A Mile Long Paper Walk"
1969 Gallery Wide White Space, Antwerpen; Bekanntschaft mit Beuys und Broodthaers
1971 Metropolitan Museum of Art, New York
Galerie Michael Werner, Köln
1972, 77, 92 documenta 5,6,9, Kassel
1975 Biennale Venedig
1983 Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven
Musée d’art moderne de la ville de Paris
1986 Kunsthalle Düsseldorf
1993 The Bathhouse, Tokyo; Kunstverein Stuttgart
1995 Stedelijk Museum, Amsterdam: "The Golden Room"
1998 The Arts Club of Chicago
1999 Kestner Gesellschaft, Hannover
2000 Galerie Sabine Knust, München
展覽：「生命．愛與死亡──詹姆斯李．拜亞回顧展」
Leben, Liebe und tod—James Lee Byars
地點：德國法蘭克福，錫恩美術館
SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT，Germany
時間：13. MAY - 18. JULY 2004
無獨有偶，甚至是接二連三的，華人藝術家除了在紐約、巴黎等藝術國度不斷發聲，近年來
柏林的美術館或畫廊也對華人藝術家的創作越來越有興趣，同時有更多的華人藝術家或策展
人選擇柏林為創作或活動的根據地。
來自台灣的國際藝評家與策展人徐文瑞將柏林當作是除了台北的第二個家，台北雙年展策展
人與威尼斯雙年展、伊斯坦堡雙年展的國際評審身分、經驗，讓徐文瑞逐漸在歐洲打開知名
度，同時也受到藝術界的推崇與重視。最令我感受深刻的是與一些國際藝術家以及策展人的
交談過程中讓我體會到身為台灣人的一份驕傲，華人藝術圈不只有藝術家，同時也有極具獨
立思考觀點的策展人。
近幾年大陸藝評家費大為在歐洲的活動也極為活躍，除了在德國，前幾個月在比利時安特衛
普開幕的中國當代藝術家聯展堪稱是極有份量的一次展覽。徐文瑞選擇柏林當作踏入國際藝
評與策展舞台的基地，累積能量之後，策劃了華人藝術家楊俊的個展。
自德國敏斯特大學政治系碩士般畢業的紀琇玲，經過長時間的觀察與對藝術的喜好，成功地
在柏林策劃第一個大型展覽「你在吃我豆腐嗎？」（Isst du gerade meinen Tofu?），邀
請27位來自各國的藝術家展出兼具幽默與藝術性的展覽。另柏林地區藝術圈好奇的是，一個
從來未曾露面的台灣藝術策展人，突然策劃出一個極具規模且獲得許多媒體青睞報導的展覽
，展出的規模與氣勢遠遠超過同一時間在柏林的許多藝術展覽。
以一個學政治學的背景來從事藝術策劃展覽或許讓人覺得進不了門道，如果不去考慮策展人
的背景，純粹就展覽本身來看，其實有著更多不同的視野與觀點來檢視社會的動態與文化政
治的差異，尤其是以一個生活在德國將近9年的台灣人而言更有絕對非凡的經驗。
「你在吃我豆腐嗎？」標示出新藝術策展的趨勢與藝術家作品展覽的型態。策展人與藝術家
都在尋求新的合作模式，甚至贊助者的名單一攤開來，大部分是對藝術莫名所以，第一次對
藝術展覽支持的廠家或商店，可是所有人的熱情與投入卻成就一個溫馨有趣的氣氛。
或許還有人會以為這是一個社區活動，不過就展覽規模、內容、與品質來看，策展人堅持了
藝術展覽的本質與純粹性，值得一書。展覽同時邀請了三位來自大陸目前定居於柏林的藝術
家袁順、秦衝與張蕾。袁順在柏林發展多年，已經有了受肯定的成績；秦衝將堆積的書籍與
廁所的衛生紙組合的裝置命名「智慧」，將「紙」與「字」的意像及推衍出的內涵做了巧妙
對比與諷刺；張蕾生活在義大利與德國，但是對於「藝術」本質的追求，從她的作品中看到
了藝術家的堅持，她將生魚一對一對放在縫製的棉襖被單中，一種想要呵護卻又適得其反的
矛盾。
或許是同樣來自亞洲同種文化的熟悉度，雖然紀琇玲邀請了來自不同國家的藝術家參與，包
括德國本地、荷蘭、瑞典等國，但是幾位亞洲藝術家的作品給人的感動更為強烈（或許也是
我本身的文化背景）。韓國藝術家金慧恭（Kim Hyun-Gyoung）的作品帶有童趣與巧慧的精
細，後來才知道，她是已經懷有九個月的孕婦，難怪作品充滿母性。
多年前畢業於柏林藝術大學，定居於德國、瑞士兩地的邱萍，雖然國內少聽到她的名字，卻
在柏林地區極為活躍。一個月內推出兩個個展：Mies van der Rohe Haus與DNA畫廊，邱萍
的作品帶有詩意，將雕塑與環境做了巧妙的結合。
另外兩個大型的華人藝術家方力鈞與徐冰個展，則是在德國地區最受到注目。展覽開幕前幾
日，在漢堡舉辦的「媒體之夜」晚會，方力鈞與徐冰兩人均為座上賓，德國媒體守候入口等
待藝術家出現並訪問。可惜的是徐冰因為簽證問題當晚滯留在維也納。
透過德國畫商歐赫斯（Alexander Oches）的安排與推薦，大陸藝術家在德國的知名度越來
越響亮，收藏家更是遍及德國各大城市，尤其方力鈞與徐冰是歐赫斯畫廊的主力藝術家。歐
赫斯畫廊於德國經營亞洲藝術有成，今年二月在北京成立白色空間畫廊（White Space），
以更積極的角色扮演推展中國藝術家在世界藝壇展出的支持者。
方力鈞的個展「生活就是現在」（Leben ist jetzt）在歐赫斯畫廊新遷入擁有三個展出樓
層的場地展出16幅大型油畫與版畫；徐冰的個展「徐冰在柏林」（Xu Bing in Berlin）則
由柏林美國學院（American Academy in Berlin）、德國亞洲藝術協會（Deutsche Gesells
chaft für Ostasiatische Kunst）贊助，在德國柏林邦立博物館亞洲藝術館（Museum
für Ostasiatische Kunst, Staatliche Museen zu Berlin）展出。
徐冰的個展原來預計於2005年展出，但是因為柏林市政府財政困難，計畫更動，幸賴歐赫斯
從中協調，有了贊助者，讓徐冰能夠在柏林待了五個月進行創作與展覽籌備，同時提早舉行
個展。