愛默生愛說話

2005年伊斯坦堡雙年展 Instabul Biennial

歐亞兩洲的交界城市，東西文明的匯聚地，伊斯坦堡曾經是拜占庭帝國、羅馬帝國、與奧圖曼帝國的政治經濟中心，充滿著遠古的輝煌歷史與神秘氣息。跨入而十一世紀的伊斯坦堡，早已失去了昔日帝國的光環，作家帕幕克（Orhan Pamuk），以伊斯坦堡人的身份來觀看自己出生與生活的城市，《伊斯坦堡》一書裡描繪的是一個破敗的奧圖曼帝國，人們幾乎已經遺忘了她幾千年的光環，留下的盡是殘敗的磚瓦城牆。

伊斯坦堡，藉著昔日拜占庭的藝術與建築吸引世界各地的遊客前往；大市集（Grand Bazaar）人聲鼎沸的景象宛如帝國繁華的再現，可是這些都只是這個古老城市的一小部分特色而已。今日的伊斯坦堡也有充滿現代感的精品名店街以及無法估計的咖啡廳與酒吧，貝酉露區（Beyoglu）的獨立大道（Istiklal Caddesi）不論白天或夜晚隨時充滿人潮，與老城蘇坦娜美（Sultanahmet）的氣氛相比，這裡有著伊斯坦堡當今生活的媚惑。

伊斯坦堡在發酵

名列當代國際性的重要雙年展之一，今年的第九屆伊斯坦堡雙年展（9. Istanbul Biennial）以城市之名《伊斯坦堡》作為展覽的主題，策展人所要突顯的是當今城市生活在這個古老城市的轉變與發展，因此今年的展覽屏棄了以往以歷史建築為主要場地的做法，集中在貝酉露與嘎拉塔（Galata）區，並以舊有的倉庫與公寓大樓作為展覽的空間，將雙年展帶進伊斯坦堡的生活裡。

策展人荷蘭的艾薛（Charles Esche）與土耳其的括爾屯（Vasif Kortun）於開幕記者會中特別對今年的展覽主題與概念作了說明。伊斯坦堡雙年展應該要具有責任與影響力來帶動城市的國際化，以交流為最初的概念於焉形成，而藝術家如何對於伊斯坦堡這個城市有互動的關係，首先是駐村藝術家最能感受城市生活與脈動的觀察者與詮釋者，由策展人選擇或邀請藝術家於伊斯坦堡停留三星期到三個月不等的時間，由真正的生活體驗來看這個城市的歷史與未來；其次是邀請對於世界幾個城市當今生活型態或建築景象深入研究的藝術家作品在雙年展中展出，藉以呈現對比印象與效果，同時檢視這些與伊斯坦堡同樣具有歷史的城市如何化的過程以及真正的底層生活型態。

今年藝術家的數目比往年要少，共有53位／團體藝術家參展，同時也沒有其他雙年展邀請明星藝術家的特色。現場目光的焦點不會因此失焦而集中在幾位特定的藝術家身上，作品被推到幕前成為最重要的主角。另一個特色是來自東歐的藝術家比例甚高，在國家與城市的轉型及現代化過程裡，藝術家的感受或許更貼近土耳其在爭取進入歐盟國家的過程中有著類似的心情。

共有7個主要的展出場地。Deniz Palas是一棟久無人居的公寓樓房；六層樓高的Granti前身一家銀行辦公室，位在最平常不過的巷道裡，越往樓上望向窗口越能看見伊斯坦堡的城市變化；Tobacco Warehouse的內部裝潢與二、三樓的樓層材料幾乎以木材為主，這間昔日的菸草倉庫同時訴說這城市的經濟歷史；Platform Garanti Contemporary Art Center位於最繁華的獨立大道Istiklal Caddesi上，展出兩位藝術家作品；Bilsar是後現代整修的建築典範，可是卻在某夜因為室內燈光爆破受損，殘留的空間被用來當作雙年展的展覽場地之一；Garibaldi Building的建築時間可以追溯到1882年，一百多年來都由住在伊斯坦堡的義大利人所使用，展出兩位藝術家作品；Antrepo則是今年雙年展的主要展覽與活動場地，為舊倉庫再利用。

習慣於規劃完整參觀路線的國際展，突然迷失在過去與現代交雜的城市裡，手拿一份不清楚的地圖在高低起伏的街道間穿梭，因為標示不清而必須隨時詢問路人，當地人就在身旁行走、生活，肚子餓了要想方法尋找填飽肚子的出路，口渴了也必須比手畫腳去買路旁小攤販的水或現榨的果汁。剛開始心理不免低估是什麼樣的展覽必須讓一個初來乍到的遊客開始在城市裡探險，一路上也沒有任何指示牌或標誌，一直走到某個小公寓門口才出現雙年展的海報。這個奇妙的觀賞雙年展經驗直到癱瘓在床上的第二天終於漸漸醞釀發酵，展覽不是在美術館的大門內讓某些特定的人士來觀賞，也不是標舉城市生活卻還是將自己獨立於真正的生活之外，進入會場前，參觀者已經先經歷了一段伊斯坦堡的街道行旅；居民或路人也開始對展覽有了好奇，繼之想進去瞧個究竟。伊斯坦堡的實際生活狀況就在我的眼前活生生上演，展覽也變得更具象且充滿意義。

伊斯坦堡在歷史裡

威尼斯聖馬可區一組馬匹的雕塑引發了藝術家阿爾普特金（Hüseyin Alptekin）的靈感，馬與騎士自中古時期開始有如英雄的象徵，尤其帝國爭戰的過程裡，種種姿態的塑造也表現了王朝的興盛。最有趣的發現，這組馬匹最早出現在伊斯坦堡的舊城區裡，一直到1204年被盜走後未再回到原來的城市裡。阿爾普特金開始對馬與英雄的形象與發展關係有了興趣，2003年起他開始蒐集奧圖曼時期的繪有馬匹瓷磚，並於八百多年後將這些馬匹屆回伊斯坦堡展覽。藝術家在研究的過程裡發現城市的歷史與這些形象的公共藝術意涵。

《向蓓哈致敬》（A Tribute to Sofiye Behar）是布倫（Michael Blum）對第一位出生於土耳其的猶太女性馬克思主義倡導者的長期研究與紀錄。有別於英雄與男性在回教國家的地位與形象，女性的角色永遠是隱晦而不明的，但是1890年出生的蓓哈於1907年即開始閱讀馬克思主義，對於女權與社會主義抱持著極大熱情並因現實社會問題必須遠離家鄉。布倫於展覽中重現了這位女性社會主義者的伊斯坦堡家居生活，所有的物品器具皆來自收藏，以口述歷史的紀錄企圖為這位幾乎再傳記文學裡被遺忘的人物。

歐洛斯卡（Paulina Olowska）以1964年設計家Rudi Gerneith為模特兒Peggy Moffitt設計的泳裝為圖像製作於土耳其傳統的毛毯上，這個設計於當時的社會既聳動且前衛，而當這個交雜傳統與前衛的作品出現在廢棄的公寓大樓裡，牆面的舊塗鴉與發黃的壁紙對照出伊斯坦堡生活的滄桑。杜文霍格（Lukas Duwenhögger）一幅油畫卻呈現土耳其男人在週日午後的慵懶，畫面中的毛毯編織充滿陰柔美，男人也以最不男性化的姿態出現，於前者正巧是不同的對比。

科契依特（Server Kocyigit）在公寓裡以土耳其婦女每天的家居生活為藍本，描繪一個妻子對丈夫的怨懟與無語還有不同的想像；索拉珂芙（Nedko Solakov）直接保留公寓的殘敗，第一個房間裡她將其他房內的垃圾全部集中一處稱之為《藝術與生活》（Art and Life – In my part of the world），藝術家在其他房內的每個角落留下她對這個房間的種種猜測或註腳，牆面的泛黃程度與面積讓她猜想可能有一面大鏡子曾經懸掛於此，久無使用的廁所早已沒有了惡臭，藝術家從這個城市的某個生活中回歸到自己的世界思考，因此城市過去的某個時空突然與現在作了連結，也因為所在人事的差異貫穿了想像的趣味。

伊斯坦堡與他者

柏林、墨西哥市、札格拉布（Zagreb，克羅埃西亞首都）、雅加達、蘇菲亞（Sofia，保加利亞首都）、耶路薩冷、臺拉維夫、漢城、哈薩克共和國，這些城市或國家都從歷史裡走出來，試圖尋找尋找新的世紀定位。藝術家由文件收集、攝影、裝置、影片拍攝等等手法，從不同的角度與方式來觀察每個城市的過去歷史與現今生活狀況，同時對比伊斯坦堡的現代化發展過程，宛如一個萬花筒，彼此之間在地理與歷史上雖然沒有甚大的交集，卻面對轉化進程裡類似的掙扎與矛盾。

哈薩克共和國從蘇維埃體制出走，烏蓋與馬斯卡列夫（Alexander Ugay - Roman Maskalev）所拍攝的《喃喃臆語》（Mourning）以三段影片來講述這個中亞國家獨立後面對世界全球化浪潮衝激的惶恐；而烏蓋的攝影作品以哈薩克南部富含石油的地區印證即便文化與種性不同，人類最基本的生活價值並沒有太大的差異。

來自漢城的FlyingCity藝術團體成立於2003年，他們著眼於社會另一個被忽略族群的生活，藉由訪談與資料收集陳述漢城的某種城市發展，這個發展過程並不是政治力的介入而具有程序與預期性的計劃，而是次文化所累積出的另一種型態。雅加達的藝術團體RUANGRUPA不同於FlyingCity關注弱勢，他們將焦點鎖定流行文化與圖騰在社會的發酵與蔓延，從政治人物到電影明星，肖像商品成為生活的一部分，Benyamin Sueb（1939~1995）的螢幕形象與歌手身分可說是印尼雅加達各個階層的代言人，RUANGRUPA以此充滿歡娛氣氛的資料蒐集方式在伊斯坦堡尋找不同的人物標記，他們對照了兩個城市在流行文化上對於偶像的塑造與認同。

魏德與費澤（Axel John Wieder – Jesko Fezer）由建築與藝術史的背景來觀察並檢視德國柏林自1989年兩德統一以後的建築型態轉變，以及城市居民如何在私人與公共領域生活找尋平衡。就由城市規劃學者、建築師、藝術家的訪談來勾勒理想城市的原型，15年來柏林的轉變，尤其是夜生活的豐富多變以及酒吧的林立，讓觀眾重新省思城市發展的樣態。

阿福拉哈米（Yochai Avrahami）的裝置描述了以色列與巴勒斯坦迷你小型計程車呈載公共運輸不足的責任，這些計程車成了邊界實況的最佳見証者，藉由來往的穿梭我們看見了當地居民在複雜政治環境下的工作與生存條件。

伊斯坦堡現在式

布荷樂（Pavel Büchler）在菸草倉庫的頂樓架設了十多個老舊的擴音器，喇叭傳出卡夫卡的小說《城堡》的內容：「你既非來自城堡，也非來自鄉間，你蛇麼都不是。不幸的來說，你只是個陌生人，一個不如預期的人，你只是在跟著每個人的腳步生活。」這會是伊斯坦堡人的生活寫照嗎？

波茲科夫（Daniel Bozhkov）嗅到了屬於這個城市的特有氣味。美國作家海明威（Ernest Hemingway）1922年來到伊斯坦堡味加拿大的每日星報（Toronto Daily Star）報導土耳其、希臘之間的戰爭。波茲科夫追尋作家的行腳，在烽火下感受祝福的恩典，這個勇氣是屬於男性的，因此他與香水公司合作，開創《Eau d’Ernest》香水。

辜蕾瑞茲（Hatice Güleryüz）在鹿特丹與伊斯坦堡間游移生活，以一位土耳其生長的女性，由取自西方的敘事觀點深入頗析自己的心路歷程，另一方面又以冷眼旁觀的角度來看這個城市的瘋狂、游移、禁忌、迷信等相互衝突矛盾的因子橫陳在城市的每個角落。

藝術家夏基（Wael Shawky）於伊斯坦堡的六個月生活裡，觀察居民的生活型態，他將影片的場景設定在超級市場內說明生活不需語言的詮釋自然在能尋求生存之道。阿汀德瑞（Halil Altindere）設計了一齣齣的荒謬劇在伊斯坦堡的擁擠大街上演出：拳擊、排球賽、街舞、甚至街頭搶匪，路人視而不見，似乎這些都不是多麼特殊的遊戲，由此也反映了整個社會價值傳統與新世代的分歧。

柯林斯（Phil Collins）電視文化、歌唱卡拉OK將原本不相識的且沒有關係的男女老少串聯出一個關係網。

鞏格里西（Eric Göngrich）自2000年開始多次居住於伊斯坦堡，他對於土耳其人如何製造與使用空間最感興趣，以不同的創作媒材，諸如平面攝影、影片、模型裝置呈現伊斯坦堡的建築與生活空間與自然地理環境的關係與特色。

伊斯坦堡的伊斯坦堡

雙年展主題《伊斯坦堡》由藝術家來擔任觀察者與解剖者或是分析者，從伊斯討寶來看這個城市與外面的世界，或是由其他的城市的角度來觀看伊斯坦堡。這個城市已經不再只是一個歷史的古都，實際上當今的生活型態都在這個城市的每個角落流竄著。

歷史的伊斯坦堡、未來的伊斯坦堡，還有伊斯坦堡自身的城市認同與發展，都在時間的穿梭過程裡有了新的詮釋與定位。

自十月一日起將於荷蘭艾登荷芬（Eindhoven）展出伊斯坦堡雙年展18年來的回顧。

伊斯坦堡雙年展
時間：2005年9月16日~10月30日
地點：土耳其伊斯坦堡
網站：www.iksv.org/biebal

德國法蘭克福書展 和平獎 頒給土耳其作家 帕幕克

土耳其作家帕幕克（Orhan Pamuk）寫作生涯超過30年，但是卻只有8本著作完成。

10月22日 帕幕克親自現身法蘭克福
10月23日德國書商公會(Börsenverein des Deutschen Buchhandels) 正式頒發和平獎(Friedenspreis das Deutschen Buchhandels)給這位當今最受注目的土耳其作家
文人作家 關懷社會底層 尤其是土耳其境內受壓迫的亞美尼亞人
為此土國政府正在與作家打一場政治官司

我得幸就在他的前方 聆聽他的人生理念

He was born in Istanbul on June 7, 1952. He spent all his life in Istanbul, except three years in New York. After attending the architecture program in Istanbul Technical University for three years, he finished the Institute of Journalism at the Istanbul University. He started writing regularly in 1974. His first novel, Cevdet Bey ve Ogullari, was awarded the first prize in the 1979 Novel Contest of the Milliyet Press. This book, published in 1982, also won the Orhan Kemal Novel Prize in 1983. He received the 1984 Madarali Novel Prize with his second novel Sessiz Ev, published in 1983, and the 1991 Prix de la Découverte Européenne with the French translation of the novel. His historical novel Beyaz Kale, published in 1985, extended his reputation abroad. The New York Times Book Review wrote: "A new star has risen in the east - Orhan Pamuk, a Turkish writer." His 1990 landmark novel Kara Kitap has become one of the most controversial and popular readings in Turkish literature, due to its complexity and richness. In 1992, he wrote the script of the film Gizli Yuz (derived from Kara Kitap), directed by a prominent Turkish director, Omer Kavur. His last novel, Yeni Hayat, has been a best-seller in Turkey in 1995. His books have been translated to thirteen foreign languages so far.

特別推薦他的小說 "雪"
描述一位因為政治迫害而流亡德國法蘭克福的土耳其作家，因為母親亡故讓他重新踏回成長土地的故事。因緣際會，他認識報社的老闆，這個人總是先出版還未發生，之後卻依照報紙描述一般的事件。故事主角KA重新探索他的人生。

PS
現場我忍不住拍了幾十張這位大文豪的照片
第一次當粉絲 真不好意思

現代主義建築與設計的延續－伊岡．艾爾曼

The Continuity of Modernism--Egon Eiermann

2004年適逢德國建築與設計大師伊岡．艾爾曼（Egon Eiermann，1904-1970）的百年生辰，德國設計界特別為他舉辦盛大的回顧展，同時再次檢視這位德國戰後最富爭議性建築師的創作。展覽由位於卡爾斯魯大學（Universität Karlsruhe）的艾爾曼檔案資料中心（Südwestdeutsches Archiv für Architektur und Ingenieurbau）與柏林的包浩斯檔案中心（the Bauhaus-Archiv Berlin）共同策劃，並於德國巡迴柏林、慕尼黑、紐倫堡等地展出至2005年。

1947年開始，艾爾曼受聘擔任卡爾斯魯科技大學（Technische Universitat Karlsruhe）教授；1958年成為布魯塞爾Order of Leopold的會員，而於1963年獲頒為英國皇家建築師協會榮譽會員。

艾爾曼的設計理念屬於日爾曼式的知覺以及對於結構框架的邏輯性表現，作品呈現出嚴謹的組織機能與清晰的架構，他認為城市與建築的設計必須展現秩序性，即使是工廠設計都充滿理工背景的理性與美學魅力，他更重視由文化背景與地理特性所延伸出來的設計概念。艾爾曼最著名的教堂建築設計位於德國柏林西區，動物園火車站附近，這座教堂以彩色且可以透光的玻璃圍繞出多邊形的結構，成為紀念戰爭中遭受毀損的教堂的紀念中心。其他最具代表性的建築還包括：位於比利時布魯塞爾世界博覽會的德國館、位於美國華盛頓的德國大使館、與位於德國波昂的國會辦公大樓。

不僅僅以建築師之名獲得肯定，艾爾曼的家具設計與他的建築設計有異曲同工之妙，簡潔、理性，即使時代潮流不斷變化，新的設計不斷推陳出新，他的設計仍是許多知識份子的最愛。其實當我們仔細再回顧這些艾爾曼所設計的家具時，絕對會發出驚嘆之聲，對於他的設計我們絕對不會陌生，只是設計師多如過江之鯽，我們竟然忽略了一位大師的存在。

The Nobel Prize in Literature 2005　諾貝爾文學獎

10月13日　　諾貝爾文學獎正式公佈
英國劇作家　哈洛‧品特(Harold Pinter, 1930 - )　奪得桂冠

"who in his plays uncovers the precipice under everyday prattle and forces entry into oppression's closed rooms"

哈洛‧品特(Harold Pinter, 1930 - )出生於英國倫敦，為猶太後裔。就讀於皇家藝術學院(the Royal Academy of Dramatic Art)時，對於戲劇的見解與學院中的教師有很大的不同，於是他假裝神經崩潰因此退學。1954年以大衛‧巴倫(David Baron)的藝名，隨著劇團到愛爾蘭及英國各地巡迴演出，並於1957年開始他的戲劇創作生涯。

他的重要作品包括《生日派對》(The Birthday Party, 1958)、《啞巴侍應》(The Dumb Waiter, 1960)、《看門人》(The Caretaker)、《回鄉》(The Homecoming)、《背叛》(Betrayal)及《從灰燼至灰燼》(Ashes to Ashes)等。

"I don't know how music can influence writing, but it has been very important for me, both jazz and classical music. I feel a sense of music continually in writing, which is a different matter from having been influenced by it." (Harold Pinter in Playwrights at Work, ed. by George Plimpton, 2000)

品特的個人網站值得一遊http://www.haroldpinter.org/home/index.shtml

Selected works:

• The Room, 1957 - suom. Huone
  * The Birthday Party, 1957 - suom. Syntymäpäiväjuhla
  * Pieces of Eight, 1959
  * The Caretaker, 1959 - suom. Talonmies - film 1963, dir. by Clive Donner, starring Alan Bates, Robert Shaw, Donald Pleasence - Two brothers, Aston and Mick, invite a revolting tramp, Mac, to share their attic.
  * The Dumb Waiter, 1960
  * A Night Out, 1960
  * The Dwarfs, 1960 (from his novel)
  * Night School, 1961
  * The Collection, 1961
  * One To Another, 1961 (with J. Mortimer, N.F. Simpson)
  * A Slight Ache and Other Plays, 1961
  * The Pumpkin Eaters, 1963
  * The Lover, 1963
  * The Servant, 1963 (from R. Maugham's novel)
  * The Pumpkin Eater, 1964 (from P. Mortimer's novel)
  * The Homecoming, 1965 - suom. Kotiinpaluu
  * Tea Party, 1965
  * The Quiller Memorandum, 1966 (from Adam Hall's The Berlin Memorandum)
  * The Party and Other Plays, 1967
  * Accident, 1967 (from N. Mosley's novel)
  * New Poems, 1997 (ed.)
  * a PEN Anthology, 1967 (ed. with J. Fuller, P. Redgrave)
  * Poems, 1968
  * Mac, 1968
  * Landscape, 1968
  * Silence, 1969
  * Night, 1969
  * Old Times, 1971
  * The Go-Between, 1971 (from L.P. Hartley's novel)
  * Monologue, 1973
  * The Proust Screenplay, 1977 (with B. Bray, J. Losey)
  * No Man's Land, 1975 - suom. Ei kenenkään maa
  * The Last Tycoon, 1976 (from F. Scott Fitzgerald's novel)
  * Betrayal, 1978 - suom. Petos
  * Poems and Prose 1941-1977, 1978
  * Langrishe, Go Dowm, 1978 (from A. Higgins)
  * I Know thew Place, 1979
  * The Hothouse, 1980
  * Family Voices, 1981
  * The French Lieutenant's Woman, 1981 (from J. Fowles's novel)
  * A Kind of Alaska, 1982
  * The French Lieutenant's Woman and Other Screenplays, 1982
  * Other Places, 1982
  * Victoria Station, 1982
  * The Big One, 1983
  * Players, 1983
  * One for the Road, 1984
  * Players, 1985
  * Turtle Diary, 1985 (from R.Hoban)
  * 100 Poems by 100 Poets, 1986 (ed. with A. Astbury, G. Godbert)
  * Mountain Language, 1988
  * Heat of the Day, 1989 (from E. Bowen's novel)
  * Reunion, 1989 (from F. Uhlman)
  * The Comfort of Strangers and Other Screenplays, 1990
  * The Comfort of Strangers, 1990 (from I. McEwan's novel)
  * Victory, 1990 (from J. Conrad's novel)
  * The Handmaid's Tale, 1990 (from M. Atwood's novel)
  * The Dwarfs, 1990
  * Complete Works, 1990
  * Party Time, 1991
  * Plays, 1991
  * The Trial, 1991 (from F. Kafka's novel)
  * Ten Early Poems, 1992
  * Moonlight, 1993
  * Pinter At Sixty, 1993 (ed. by K.H. Burkman, J.L. Kundert-Gibbs)
  * 99 Poems in Translation, 1994 (ed. with A. Astbury, G.Godbert)
  * Party Time, 1994
  * Ashes to Ashes, 1996
  * Various Voices: Prose, Poetry, Politics 1948-1998, 1999
  * Celebration, 1999
  * Collected Screenplays 1-2, 2000
  * Celebration & The Room, 2000
  * adaptation: Remembrance of Things Past by Marcel Proust, 2000 (with Di Trevis)
  * War, 2003

矛盾年代的混種──林茲電子藝術節

這是一個矛盾悖論的年代！

生物的演化、生物與非生物間的溝通交流都處在游離不定的狀態底下。人類是第一個變種的混型原體，軀體成為某種訊息交流與溝通的轉驛站，全球化的影響，每個社會都混雜了其他文化的型態，藉由人的移動、交流，不斷地散佈新的物種基因，蔓延全球。加拿大學者德克霍夫（Derricke de Kerckhove）以此論述「變種」在人類社會的衍生，他並認為「藝術」是變種歷程的補給品，藉以在不同文化間轉譯並運輸，種種交流的過程成為當今社會文化的基本型態。

2005年的奧地利林茲電子藝術節（Ars Electornica 2005，Linz）以此論述為基點，探討科技藝術在人類生活的介入與轉化。《混種──生活在矛盾之中》（Hybrid—living in paradox）以來自台灣，定居於紐約的藝術家李小鏡（Daniel Lee）作品《源》（Origin, 1999）揭示出今年的主題。李小鏡以電腦科技創造出新的神話論述，在他的想像世界裡人類的進化過程由魚苗開始，歷經十個演變的階段逐漸從猿猴演化為以雙足行動的人類。雖然這是藝術家天馬行空的創作靈感，卻在在符合了當今社會裡科學、政治、藝術、文化、經濟等元素的多重交疊關係，每個社會的界線越來越模糊，身分的認同就更顯得曖昧不清，非洲出現艾迪達球鞋、柏林到處是頭戴面紗的回教女子。

電子藝術節概觀

或許是媒體傳播的影響，以及視覺訊息的強烈印象，當大家談起林茲的電子藝術節總是第一個想到科技藝術的創作與展覽，觀眾在展覽中可以參與其中，親身經歷不同的藝術類型，也因此總讓人以為電子藝術節是為展覽而設立的。其實整個藝術節的重頭戲是學術研討與論壇，從這些講座與討論會裡參與者才會真正發現到底當今社會的科技媒體藝術的來龍去脈，有多少人正在為新媒體藝術研究並建立一套具有架構的理論系統、甚至想像未來的科技社會與人類文化及藝術的關係。藝術家的創作與大會安排的展覽是理論實踐的過程，讓觀眾實際體會科技藝術創作的方法，但卻不是最終的目的。

林茲電子藝術節的節目流程與安排便與其他的國際展覽有所區別。一般的展覽活動當然是將展覽放在最醒目的與最開頭的位置，但是此藝術節的節目規劃卻大相逕庭：

．研討會（Conferences）
　由當今媒體專家、加拿大多倫多大學（U. Of Toronto）德克霍夫教授策劃4場最具學術價值與前瞻性的論文發表與研討會，分別探討「混種現象的產生與類型」、「混種文化與政治現象」、「混種認同」與「混種體系」，所邀請的學者來自加拿大、美國、義大利、法國、德國、芬蘭、英國、馬利以及台灣。每場會議座無虛席，是這次電子藝術節最重要的研討會，部分論文發表於藝術節專輯中，可惜未來並沒有出版研討會實況的影音產品，未參加者也無從由網路上間接參與，殊為可惜。另外還有超過20場的座談與討論，分別就當今科技藝術創作的不同面向提出可能。

．動畫藝術節（Animation Festival ）
　2005年共有450部以上的動畫片報名參加，爭取有限的15個大大小小獎項。今年藝術節第一次除了得獎作品之外，依據影片的風格與內容，另外加上日本東京媒體藝術節的影片，規劃出9個單元。

．電子藝術表演（Events）
　音樂、舞蹈、影像、劇場、科技交叉互動，火車維修場成了舞池，DJ盡情放送音樂，舞者在舞台百轉千回，以及配合布魯克纳音樂節的多瑙河聲光劇場KLangwolke，今年演出回顧1955年林茲被美軍與蘇聯軍隊以河將城市一分為二的歷史（Teilung am Fluss），如果現實改變，林茲是否會是另一個柏林？

．校園教學與創作（Campus）
　林茲藝術大學的展覽場地每年提供一個國家的大學院校呈現其新媒體藝術與文化的教學成果，今年的主題國家為印度。據悉，許多國家的藝術學院都在爭取曝光的機會，明年已由芬蘭取得展覽機會。

．主題展覽──變種生物（Hybrid Creatures）
　　　　　　　廣場參與（Electrolobby、Hauptplatz）
　　　　　　　特別展覽（Exhibitions）
　　　　　　　交通科技（Transpublic）
　　　　　　　科技藝術（Ars Electronica Center、U19 Freestyle Computing、CyberArts）
　藝術家的創作分別規劃在其中幾個單元之中。

為期六天的研討會，以及配合的展覽與表演節目，在全市15個不同的場地舉行，最重要的場地包括電子藝術中心、布魯克納音樂廳（Brucknerhaus Linz）、上奧地利邦建築論壇中心（Architekturforum Oberösterreich）以及OK當代藝術中心（O.K Centrum für Gegenwartskunst）。其他的地點有林茲藝術大學（Kunstuniversität Linz）、火車總站（Hauptbahnhof Linz）、奧地利鐵路公司林茲工程處（ÖBB）等。

電子藝術創作大獎

林茲電子藝術節之所以吸引許多年輕藝術家投入創作，除了新媒體科技的時代性之外，其所設立的獎項也提供藝術家受肯定的機會。今年共有來自71個國家的2975件作品角逐7個獎項，其中兩個獎項《U19－電腦的自由形式》（Freestyle computing）是給19歲以下學生的鼓勵，獲得提名最年輕者年齡只有五歲；《下一個點子》（the next idea）藝術與科技獎（Art and Technology Grant）則鼓勵奧地利本地的年輕藝術家，但是最後一個獎項並不頒發獎金，U19則在電子中心展覽會場直接舉行頒獎。

每個獎項有金獎（Golden Nica）一名、特別推薦兩名、以及優秀佳作介紹10到15名。總計共有6個金獎、12個特別推薦、73組優秀佳作。

電腦動畫／視覺效果（Computer Animation/ Visual Effects）：《Fallen Art》，Tomek Baginski/ Platige Image，波蘭
數位音樂（Digital Musics）：《TEO! A sonic sculpture》，艾瑪荷（Maryanne Amacher），美國
多媒體藝術（Interactive Art）：《牛奶計畫》（MILKproject），Riga Center for New Media Culture，立陶宛／荷蘭
網路設計（Net Vision）：《www.processing.org》，Benjamin Fry, Casey Reas，美國
多媒體社區（Digital Communites）：《www.akshaya.net》，AKSHAYA，印度
U19－電腦的自由形式（Freestyle computing）：《Rennacs Studies》，Markus Sucher，奧地利
《下一個點子》（the next idea）：《舊衣物》（Used Clothing），邁林格（Martin Mairinger），奧地利

今年另有增加的評審團特別獎：荷蘭藝術家楊森（Theo Jansen）所以設計的《沙灘怪獸》（Strandbeest）以物理機械動力原理，儲存風力讓機械移動，缺乏電力的年代，藝術家透過想像卻讓夢想成真，這是逐夢的開端。除了OK當代藝術中心的靜態展覽，林茲舊城區的主廣場（Hauptplatz）撲滿了沙粒，幾條會動的怪獸果然吸引了全城的目光。另一個特別獎則由BitTorrent獲得。

新媒體藝術創作

媒體理論大師麥克盧漢（Marshall McLuhan）曾說：「媒介即是訊息」，當技術媒介成為人類思考的延伸，社會的物質架構型態也產生質與量的改變。人類生活方式隨之變化，新的生存空間繼而產生，加上科技與網路的訊息流通及虛擬世界的誕生，使得人們的思維方式、行為態度、與自我認同都起了聯帶的影響，新的社會空間與結構正隱隱浮現。

藝術家也正在使用最新的科技將人類的想像帶到另一個空間裡，跳脫傳統過去與現在的框架，或是三度空間的刻板印象，時間與空間可以被抽離並虛化，跳脫現實社會的領域，進到超越物理因果關係的世界。

年輕一代的藝術家以充滿像未來挑戰的精神，著迷於科技所展現的生活型態，藉由機械、電腦與網路的媒介，創造出全新的社會型態，工業時代早已過去，現在是電子影像的世紀。

邁林格（Martin Mairinger）的《舊衣物》以捐贈的衣服、褲子、或是其他外出的配備，邀請參與者挑選後攜帶或穿著數小時至數天不等，歸還時紀錄下經驗並取得一組密碼，將來參與者可隨時上網查詢這件曾經跟隨自己一段時間的衣物與什麼人在一起，並且旅遊到什麼地方。這種人與人的交流溝通已經打破時間與空間的界線，並且在網路上形成一種新的社會空間，人類不需要在此虛擬的世界裡生活但是卻獲得不同的訊息交流。

荷蘭Marnix de Nijs-RMR_organisation所創作的《跑！他媽的跑！》（Run Motherfucker Run）由如健身房的跑步機，但是尺寸卻大得多，跑者面前還有可以選擇的城市與街景。人總有一種發洩的衝動與慾望，但是又再陌生的黑夜趕到躊躇，這個設計讓觀眾透過跑步的過程經歷虛幻的視覺空間裡，當速度加快畫面也跟著速度或快或慢，充滿電影的視覺快感與身體的實際參與。這個計畫由荷蘭路特丹的V2_Lab媒體中心支持協助完成。

《牛奶計畫》則是一個虛擬的經濟體系，立陶宛的農場牛奶透過衛星科技尋找買家的方位，然後準時配送到購買者處。單一的配送路線，因為買賣雙方的交替形成一個網絡，也形塑了新的經濟路線與人類生活型態，歐盟的連結或許將促成這個計畫的實現。

德國哲學家海德格（Martin Heidegger）認為「在世界之中」（in der Welt sein）是人們於現實世界的存在狀態，然而新媒體藝術正在打破這個思考邏輯。「在世界之中」的不僅僅是人類或原生的物種，還有被人類以虛擬的想像或科學的技術所創造出來的種種變體。最早人們想像會有一種如同人類運動工作的機器人Robert，然後透過光線或風力讓某些生冷的物體有了溫度與反應。新的物種正在生成。

《ELF- Electronic Life Forms》由德國的Pascal Glissmann與Martina Höfflin所設計。微小的感應器掛在樹叢裡，因著感光的程度而發出清脆的鳥鳴聲或蟋蟀的聲音，這當然不是真正的生物，但卻是科技與環境創造造出的變種。《吹氣》（Blow Up）以一大一小的電風扇組連結，只要在小風扇組前輕輕一吹，就能享受大風扇的涼快舒適。加拿大的Carnet Hertz將真正的甲蟲放在他所設計的機器人中央，只要甲蟲的腳一撥動球體，機器變自然轉動行進，為透過電力而產生行動的新機器人。

《Pussy Weevil》就像一個小怪物躲在螢幕裡，他的動作與表情全跟著觀眾而有所反應，當觀眾越接近螢幕，小怪物就不敢造次，一遠離便開始又叫又跳，好似會看人的臉色而採取行動，難怪有人戲稱這是政治家遊戲。

美國Paul DeMarinis的《火鳥》（Firebirds）是以歷史名人的演說錄音為本，包括史達林、希特勒、莫索里尼等人的慷慨激昂，鳥籠裡的火炬則隨著聲波忽大忽小，除了科技的運用，藝術家也諷刺了這些歷史上的一代梟雄。

是新媒體藝術？還是新媒體與藝術？

其實看了那麼多「藝術家」的「創作」，讓人懷疑到底這些是機械動能科技設計，抑或是藝術創作？當聽到幾場專家學者提出了這麼多的理論與研究，並指陳電子媒體與網路設計已經擴展了人類的生活領域與空間，這些事實不容懷疑，而且我們也正在經歷這個劃時代的革命，但是同樣的設計一再重複，迎合觀眾的喜好照個相、拿起麥克風發出聲音就會有弧線、螢幕上的泡泡或字幕碰到陰影變彈開、機器人被操控拿雞蛋、地板上一道強光然後一個聲響震撼觀眾、兩個人手握螢幕玩網球賽，當觀眾玩過之後是否就表示科技進入到藝術領域了？確實這些創作者從科技裡找到了新的創作元素，但是這些是工業設計或是藝術創作？藝術教育不應該只是動動手就可以達到目的的，背後有多少的概念支持藝術家創作這些作品才是應該去思考的本質問題。

林茲電子藝術節除去研討會之後，充滿絢麗的燈光與音響確實讓人在一片煙霧中產生迷亂，大部分的人被一種繁華的景象所迷惑，如果以節慶來論斷，確實整個藝術節的活動是成功的，製造議題，吸引人潮，但是這家店真正要賣的是什麼？說起來是讓人感到困惑的。這樣的說法並不表示展覽毫無看頭或是沒有好的創作，只是比例不不高。我們更應該認知的是展出作品都是參加競賽者而不是受邀的藝術家，以這樣的角度來看作品或許不會有那麼大的失望。

新媒體藝術可以說是當前藝術創作的顯學，但是如何讓科技在美術館裡真正顯現出其美學價值，藝術家還有一段漫長的路要走。

奧地利林茲電子藝術節（Ars Electronica 2005）
主題：《混種──生活在矛盾之中》（Hybrid—living in paradox）
時間：2005年9月1日~ 9月6日
地點：林茲（Linz）
網站：www.aec.at/hybrid