第四屆柏林當代藝術雙年展（4. Berlin Biennale für zeitgenösische Kunst）3月25日正式揭開序幕。有別於前三屆的籌備不及以及經費的困窘，德國國家文化基金會（Kulturstiftung des Bundes）自第3屆雙年展後決定以五年的時間經費支持未來兩屆的舉辦，三位策展人卡特蘭（Maurizio Cattelan）、吉澳尼（Massimiliano Gioni）、薩伯特妮克（Ali Subotnick）得以將近20個月的時間來籌畫此次雙年展。
人鼠之間
策展人一再強調《人鼠之間》（Von Mäuse und Menschen）不是雙年展的主題而只是一個概念，引導觀眾面對生命的一連串腐蝕過程，藝術是捕捉每個迷惑時刻與未知的神秘力量，雙年展不刻意強調任何美學概念或新的策展論述與趨勢。焦慮與偏質、隱喻的晦澀都是策展人要藉由藝術家的作品所呈現的人生百樣與狀態。
蘇格蘭詩人彭斯（Robert Burns, 1759-1796）曾寫下詩句：「人也罷，鼠也罷，最如意的安排也不免常出意外。」1962年諾貝爾文學獎得主史坦貝克（John Steinbeck, 1902-1968）受到此詩的感動，以《人鼠之間》為書名，創造出一部充滿悲憫人性的小說。策展人挪用兩位前後世紀文學家對人生描繪意象，引領觀眾由自我的人生體驗出發，面對充滿胡疑、恐懼的經驗以及藝術在其間穿插的過場，人生的種種疑問，諸如：誕生與失落、死亡與屈服、悲傷與鄉愁，都是人生歷程的反抗與妥協。史坦貝克的小說描述一位智障者與其環境中的人、事、物互動的悲歌，三天的時間裡場景全集中在一個牧場內，對社會的不適應使主角失手殺人並賠上自己的性命。
雙年展以這樣的故事為宗來看待生命的悲劇本質確實迥異於其他雙年展的風格，但是這也不是策展人完全的初衷，特別是三個人的背景更不會如此悲觀的對待生命，反而以一種遊戲、諷刺的態度來化解許多的悲苦。
展覽場地屏棄往年在美術館的慣例，今年以位於城中區的奧古斯特街（Auguststraße）整條街為雙年展的活動中心，當觀眾由街頭走道街尾，綿延920公尺長的街頭漫步，場地由教堂開始，進入私人公寓、廢棄的舊會所、早已關閉多年的猶太女子學校、柏林雙年展的發源地KW、一直到街的盡頭──墓園，一趟巡禮，宛如從生到死的歷程，中間容有悲傷、頹廢、但是也有歡笑、新生。
策展人將屬於歷史的柏林奧古斯特街與富有文學基調的展覽概念融合為一，所回顧與觀望的不僅是人生的課題，還有屬於柏林本身的一頁滄桑史。
奧古斯特街傳奇
雙年展發生在奧古斯特街。就讓我們也一同回顧這個位於柏林市中心一條街道的歷史。
時間回到1708年，這條街原名Arme Sünder Gasse，意思是貧窮罪惡者的胡同，1723年更名為貧窮巷弄（Armengasse），1739年易名Hospitalgasse，一直到1833年7月1日才正式定為現在的街名，藉以紀念菲特烈大帝（Friedrich the Great）的姪子奧古斯特王子，此人於拿破崙戰爭期間為了普魯士王國的獨立而戰。街名也自其時沿用至今未再更動。
雖然街名歷經更迭，但是這個地區一直處於窮困落敗的狀況，一種飄流、無定所的意象始終是人們對這個地區的觀感。新猶太會堂在附近蓋了起來，猶太醫院、學校逐漸形成這個街道的特殊景緻，這裡充滿了貧困罪惡但也因為自由的氣息吸引了布爾喬亞階級的青睞，特別是她的夜生活，有著一股迷濛煙沉的頹廢況味，藝術家似乎發現了一處天堂，劇作家、小說家也都在此找到靈感。德國著名女演員瑪琳戴德莉（Marlene Dietrich）的成名作〈藍天使〉（Der blaue Engel, 1930）也以此地為重要的場景。
藝術家與猶太人成為這個地區最大的兩個族群。當然許多猶太人的故事也不斷在此上演著。納粹政權的崛起讓奧古斯特街以及鄰近地區的猶太人遭受空前的為難，加上第二次世界大戰的摧殘，1961年柏林被迫分隔東西兩個部分，被畫分為東柏林的奧古斯特街走入了灰暗的一段滄桑。
1989年11月東西德統一，統一前一年第一家畫廊Whonmaschine早已在此悄悄開幕，至今仍是此地的重要畫廊之一，不過回想當時的創業艱困，負責人Friedrich Loock仍是一臉倍感心酸。前東德時代的空屋、廢棄房舍因為兩德的統一被藝術家與青年學生佔領，在無法確認原擁有人的情況下，這些建築雖然無法受到充裕經費的整建，確保有了這個地區往昔的自由氣息而且抵抗了財團的入侵。就有的奶油工廠成為孕育柏林當代藝術與柏林雙年展的搖籃，也是今日Kunstwerke藝術中心的所在地。
920公尺長的奧古斯特街，約有800個居民，20家酒吧咖啡與餐廳，三家診所、一家心理治療中心、旅館、洗衣中心、兩家裡容院、雜貨店、一所教堂、一間音樂學校、一家腳踏車店、三座公園與兒童遊憩區、20家畫廊與藝術空間。
柏林雙年展的展地就在這條平靜尋常卻又充滿新生的街道上，超過70位藝術家的作品，分別在12個位置出現，由人類、動物到鬼魂為對象，從教堂、尋常住家到墓園，歷史與現在的交錯，奧古斯特街宛如一條生命的長河。
生命長河
怎麼來看今年的柏林雙年展？從街頭走道街尾，平常腳踏車幾分鐘便就可完成的行程卻變得不一樣了，其中多出來的是策展人給觀眾的功課。但是柏林雙年展有不像其他超級大展，策展人有一套自己學院化的論述，以語不驚人死不休的架式告訴觀眾策展人是站在藝術發展前端的揭示者，我們僅能翹首企盼從他們的一些字裡行間或者滔滔不絕的陳述裡獲得啟發，甚至有時還會焦慮到底策展人要告訴觀眾什麼？要從哪裡去了解？
這一次，策展人開宗明義就說他們沒有偉大的論述，有的只是你我都共同有的經驗；他們不想提出新的藝術發展方向或見解，只是試著去深入了解柏林這個城市的發展與特色，然後以雙年展的形式回應
城市的歷史、現在與未來。因此這個功課是觀眾可以自由選擇去理解的，無需經由策展人強力推銷。
雖然有12個分散的展出場地，但是主要的兩個大展場為KW當代藝術中心（Kunstwerke）與前猶太女子學校（Ehemalige Jüdische Mädchenschule）。
諾曼（Bruce Nauman）的《Rats and Bats》是整個雙年展主題定調後策展人第一件想要邀請的作品，以6個螢幕與透明的塑膠箱裝置的作品，諾曼於螢幕中不斷擊打著球棒，另一個螢幕則是倉皇的老鼠，但是實際上彼此之間互不干涉的時空卻在此成了互為影響的事件，聲聲的拍打下，重擊驚嚇的到底是螢幕中的老鼠還是正在這件作品前不時膽顫的觀眾？
史密德特（Michael Schmidt）年輕時擔任警察工作，他的163張人像照片第一次在柏林公開展出，這些人像都是納粹時代與東德時期的執事份子，史密德特以再攝影的方式重新凸顯了這些臉孔，於藝術家而言，歷史是有可能再複製的，攝影機面對的是已經作股但是當時卻是活生生面對像機的人，時間在兩個攝影機的疊映工作裡有了交集，鬼魂有有可能重生，這些人曾經製造了（或是改變了）柏林的歷史與現在；163張照片環繞著舒特（Thomas Schütte）的最新作品《The Capacity Men》，猶如影中人突然以鬼魅般的姿態現身，充滿著神秘的氣氛。
這三件作品幾乎是整個展覽的提綱挈領之作，將雙年展的精神精準的點撥在觀眾視覺與經驗之中。
羅馬尼亞藝術家坎托（Mircea Cantor）的錄像作品《Deepature》將一匹狼與鹿硬生生地至於一間七成全白的畫廊裡，攝影者以幾乎冷酷無情的態度紀錄兩支動物之間的追躲、貪婪、與恐懼，這位當今羅馬尼亞最受矚目的年輕藝術家的作品呼應了前三件作品由人性探討到動物界的一種弱肉強食及宿命。
談到生的種種神秘，最根源的還是生命的起始。攝影家麥科克（Corey McCorkle）於去年將相機對準了正在廠房生產的孕婦，嬰兒出生的過程全部被忠實的紀錄下來並呈現在觀眾的眼前，從第一個畫面有如肉慾的色情圖像，到最後新生兒的誕生，以及母親聖潔的欣悅表情，「新生」不是一個象徵，是一個真實的呈現。
慕爾（Otto Mühl）1925年出生於奧地利，是維也納行動派的一員，他的藝術影響了當今許多的藝術家家，雙年展中他的作品毫不被視為過時的創意，影片中是他的行動藝術，仍舊維持他裸體、原慾等主題，透過影像的紀錄，他稱作新的創作方式「電子繪畫」（electric paintings）。
魏陵（Gillian Wearing）以《Drunk》描繪了一群酒癮者在藝術家倫敦東區的生活寫照，近乎紀錄片的形式卻以裝置的呈現，猶如藝術家在實驗室裡檢視這些酒癮者的行為，對照慕爾將肉體當作主題，魏陵探索了人的精神狀態，此情狀反而不是自主的，而是被外在酒精所控制，兩者之間形成極大的反諷。
還記得去年威尼斯雙年展德國國家館中一群人唱著、跳著：「This is so contemporary! contemporary! contemporary! contemporary!」今年柏林雙年展，藝術家西格爾（Tino Segal）展出的是他2002年的作品《Kiss》。不同於羅丹的吻、孟克的吻、克林母的吻、傑夫昆的吻，西格爾研究了這座建於1913年的舞廳Bühlers Ballhaus，依舊是雕樑畫棟，依舊是鏡面照人，可惜人事已非，昔日的光華早已遠颺，藝術家決定在此重現舞池的春光，但是這回沒有了華爾滋音樂，少了巴洛克華服，只有一對戀人翻滾在早已退去光彩的地板上，忘情地擁吻著。這個表演每天八小時連續不間斷，一直上演到雙年展結束。
建於1927-28年的猶太女子學校，大戰後再東德政府管轄期間曾短暫作為教學場所，柏林圍牆倒塌後，建所再歸猶太社團所有，雖然重新整頓招收新學生，卻因學生人數不足於1996年被迫再度關閉，一直到今年第四屆柏林雙年展重新開放大眾入內，不過進入展場猶如通過飛往美國或英國的海關檢查，為這棟建築披上了神秘面紗。往昔的教室與走廊少了女孩的嘻笑聲，但是斑剝的牆壁與五顏六色的塗鴉還是讓人忍不住想像起女子學校熱鬧喧嘩的景象。
波蘭藝術家與劇場導演坎陀（Tadeusz Kantor）的《The Boy in the bench》為1983年作品，卻與整個展場的歷史起了關連，一個正在翻著書的男孩似乎正專心的沉潛於課堂中，現實的場景是早已關閉的前猶太女子學校，虛與真的對照不免令人唏噓。
這裡的每間舊日的教室分別提供了不同的課程給觀眾。戈梅林（Felix Gmelin）的《Sound and Vision》錄像是學生們課堂上的性教育課程，女學生摸著一位男人的身體，雙手搓著他的陰莖；男學生則撫摸一位女子的乳房及陰部，畫面中特寫坐在交是中其他學生觀看講台前一幕真實的性教育震撼課程。杜爾伯格（Nathalie Djurberg）的動畫影片更是一再挑釁這個場景的傳統，《Tiger licking girl’s butt》以黏土製作的動畫短片裡，女孩洗玩澡後正在擦乾自己的身體，一隻老虎無來由的闖入她的房間伸出舌頭直探女孩的肛門，字幕打出老虎的心聲：「為何我如此心急地迫切需要呢？」女孩由略有慍色到屈服，最後滿意地上床入睡。老虎似乎是藝術家想要諷刺的人類內在的慾念源頭。戴安（Tacita Dean）的影片一向探索時間、記憶等主題，《Presentation sisters》以愛爾蘭考克（Cork）的一家修道院的修女生活為描繪主題，當她們坐在一起吟唱著同一首歌時，表情是呆滯的、眼神是空洞的，一切的渴望都消失無形，生活中唯有一成不變的貞潔。
恐懼侵蝕靈魂是展覽中許多作品給人的印象。麥卡錫（Paul McCarthy）的《Bang-Bang Room》木板搭築的房間，門板不定時地猶如被風吹動開啟、關閉，惱人的是這些聲響好似一個大發脾氣的瘋子，用力的甩著門把所製造出的憾人舉措；以極限創作風格獲得英國透納獎的克里德（Martin Creed）將燈光設計在走道中，忽明忽暗讓觀眾不明所以激起憤怒或是不解；巫德曼（Francesca Woodman）的攝影自拍與表演錄像探索女性急欲脫離父權社會的鉗制，甚至以近乎自殘的方式完成儀式性的救贖。
旬法爾德（Markus Schinwald）的擬人裝置《Otto》癱坐在角落，Otto的臉由兩個不同的面孔所組成，臉龐的中央是另一張面孔，這件裝置是他另一影像作品《Children’s Crusade》的主角之一，現在單獨出現在展覽中，猶如影中人走到現實，吊詭的是走到現實的影中人仍舊是一個虛擬的人物。薩拉（Anri Sala）的《Time after Time》裡驢（或是馬？）孤獨的佇立在馬路的一偊，當車輛行經的燈光呼嘯而過，牠仍無動於衷，偶爾抬起一隻腳，生命如果至此毫無情緒，或許是另一種悲哀。愛沙尼亞藝術家圖米克（Jaan Toomik）的影片，是另一種角度對生命的詮釋，《Father and Son》裡，藝術家全裸在冰天雪地中僅著冰刀鞋在一片白茫茫中滑行，影片中一位小男孩的吟唱則來自他10歲兒子的聲音，最後藝術家消失在雪白的畫面裡，小男孩輕聲一句：「阿門！」其中有著對大自然的無法超越但是又有對人類情感的濃厚依戀。
從教堂的神聖到墓園的鬼魅
St. Johannes-Evangelist教堂，曾經是教徒的信仰中心，也曾經是鴻堡大學（Humboldt Universität）保存學生論文資料的安全地點，歷經幾次整修，週末晚間作為教會祈禱場所，平日則提供藝術家作為展出的地點。馬汀（Kris Martin）設計了一個有如車站的舊式時刻表，隨著時間的推移，表上顯示的數字開始跳動改變，當觀眾走進教堂時，彷彿開始人生列車的搭程，充滿黑色幽默的是，整個時刻表示黑色的，上面沒有數字、沒有時間、沒有列車、也沒有月台，當陽光由教堂的天頂灑下，猶如進入一道冥想的旅程起點。
往日的祭壇沒有了耶穌塑像，也少了法器與燭光，Andro Wekua的裝置在教堂中央宛如神秘的黑盒，潘朵拉的寶盒，等著被開啟。
沿著街道，開始找尋地址，按下門鈴，排隊，等候進入私人公寓；懷著不確定的心情走進荒廢的廠房、舊日的郵政處理中心。參觀雙年展其實也是在對這個地區歷史的回顧與當今生活現況的觀察。但是排隊進入私人住宅，過程有趣，內容卻令人無法茍同，一些人批評根本是一堆垃圾放在房間裡，唯一能夠解釋的：這就是柏林城中區奧古斯特街上某些人的生活狀況。
阿特曼（pawel althamer）選擇了社會議題來處理他的作品，一間空屋內保留原來的狀況，唯有一張紙條說明他企圖協助一位非法移民在德國申請居留的呼籲，至今已超過上千的藝術界人士與參觀者簽名支持，此事件也受到政府單位的注意，這位婦女目前被安排居住在一所公寓裡，特別學習德文溝通。藝術家由自己的經驗出發，《Fairytale》會不會真的僅是一篇虛幻的童話？2004年獲得英國透納獎的戴勒（Jeremy Deller）邀請此地的音樂素人團隊Klezmer chidesch於影片中演唱，歌曲中唱的是奧古斯特街的生活寫照，但是團體成員幾乎都來自前蘇維埃政權整治下的國家，如今他們歌唱歡娛著，奧古斯特街成為外來移民者的天堂。
再繼續往街的另一頭前進，荷蘭藝術家禮荷（Erik van Lieshout）以兩個月的時間獨自騎上腳踏車由荷蘭鹿特丹到德國東北角的羅斯特克（Rostock），藝術家的個人生活日記與行進途中的點滴，充滿了驚險但也無趣，他的女朋友決定與他分手、遇到新納粹黨攻擊、擔心自己的健康、滿腦子錢的巴發利亞女人，他說德國已經腐蝕了！影片特別選擇在路旁工地的一格貨櫃裡放映，一如藝術家的創作，在街頭與生活中發覺底層的騷動。
走入墓園，一切安靜，不知作品在何處。鳥鳴聲突然逐漸自四面八方而來，女聲出現回蕩在空氣之中，猶如輓歌，預告一切的靜謐。
柏林雙年展的策略運用
許多媒體對於今年柏林雙年展的規劃多持肯定的態度，雖然對選擇的藝術家或作品有不同的意見，但是大家都肯定比起前一屆有不同的風格，也少了理論的包袱或是太多文件展的影子及找尋新藝術家或作品的荒謬使命。
經費上的充足讓策展人形式上更為得心應手，最令人注意的是這一次雙年展所邀請的藝術家幾乎背後都有強而有利的畫廊在支持，也就是說藉由互惠互利的合作模式，雙年展得以順利邀請藝術家，畫廊也樂得出前為自家人行銷。其利可見，其弊就看未來了。
第4屆柏林雙年展策展人速寫
三位策展人卡特蘭（Maurizio Cattelan）、吉澳尼（Massimiliano Gioni）、薩伯特妮克（Ali Subotnick）過去6年來共同參與的展覽計劃甚多，2002年10月在紐約雀兒喜區（Chelsea, New York）創辦The Wrong Gallery，已少預算、低成本的方式邀請藝術家參與不同空間地點展出計劃，當今創作力旺盛，及被期待的新生代藝術家都或多或少與三人共事過。
2003年英國倫敦國際當代藝術博覽會Frieze Art 邀請The Wrong Gallery展出，藝術家Tino Sehgal的《This is right》首度出現；2005年博覽會中以Noritoshi Hirakawa 與Paola Plvi的《One Hundred Chinese》再度艷驚全場。2005年12月起，倫敦泰德現代畫廊邀請The Wrong Gallery在其三樓的典藏區的一處闢為展出的空間，為期三年的時間由三位策展人定期規劃展覽。2006年的美國惠特尼雙年展中，三位策展人也沒有缺席，受邀策畫展中展，以美術館超過50位藝術家作品的收藏訂名《Down by Law》。
除了打破舊有模式的畫廊（或者稱展覽空間）經營窠厩之外，三人合力出版兩份不同類型的刊物：〈The Wrong Times〉以藝術家訪談為主，介紹參與The Wrong Gallery每個計劃的藝術家；〈Charley〉則由希臘的德斯塔當代藝術基金會（Deste Foundation for Contemporary Art）支持贊助，以文件研究的方式出版圖像、論述、或刊登藝術家作品，企圖建立當代藝術新的資料庫，本屆雙年展配合出版的〈Checkpoint Charley〉內有超過700位藝術家的資料。
吉澳尼（Massimiliano Gioni）
目前為義大利米蘭Foundazione Nicola Trussardi的藝術總監，2004年歐洲宣言雙年展（Manisfesta5）的協同策展人、2003年威尼斯雙年展《The Zone》單元策展人，已出版許多藝術家訪談與展覽策劃。
卡特蘭（Maurizio Cattelan）
義大利藝術家，90年代起即活躍於國際藝壇，他的作品以挑戰或質疑約定俗成的藝術規則而聞名，個人展覽已在世界各地知名美術館中展出。被半埋在地板下的教宗、被吊在半空中的小孩雕塑裝置都出自他的創作。
薩伯特妮克（Ali Subotnick）
獨立編輯、自由作家、策展人，再國際藝術刊物中發表論述。
柏林雙年展小史
柏林當代藝術雙年展（Berlin Biennale für zeitgenösische Kunst）創辦於1996年三月，由目前在紐約PS1擔任策展工作的畢森巴赫（Klaus Biesenbach）於KW當代藝術中心擔任館長時所籌劃，以支持年輕國際藝術家創作為宗旨，猶如KW當時成立的初衷，不過畢路襤褸，每次經費的困窘幾乎讓雙年展成為三年展，一直到2004年有了德國文化基金會的五年贊助支持，才將組織建立起來。
第１屆柏林雙年展─1998年，策展人：Klaus Biesenbach、Hans Ulrich Obrist、Nancy Spector
第２屆柏林雙年展—2001年，策展人：Saskia Bos
第3屆柏林雙年展—2004年，策展人：Ute Meta Bauer
第四屆柏林雙年展
時間：2006年3月25日—5月28日
3月25日起德國不萊梅、杜塞道夫、慕尼黑、萊比錫、卡爾斯魯五個城市的美術館將聯合以《40年錄像藝術在德國》為名，分別以不同的主題展出這個別具意義的研究回顧展。
電子資料處理技術發明以來，不僅對人們生活的型態產生影響，連帶使得藝術家也開始從這個新的科技技術擷取養分轉化為創作的一部分或主要媒材。美術館與畫廊一開始面對的窘境是如何看待著個螢光幕上出現的影像並且將之視為藝術，幾年後數位藝術又在藝術圈形成另一波高峰，其形式如同一股潮流指出了藝術創作的一個新領域與可能。
2004年，德國國家文化基金會（Kulturstiftung des Bundes）企劃籌備了以錄像藝術為主題的研究與座談，並計劃就不同的年代特色規劃展覽，回顧Video Art於德國的發展與未來的前景，2005年於杜塞道夫舉辦的研討會結集了各方的論述，將成為這次聯合主題展覽後的第二波主題企劃。因而這次展覽名稱又加了〈Part 1〉的附屬說明，也就是針對當前的錄向與數位將有另一個策劃展覽。
時間回溯到1963年弗斯特（Wolf Vostell）的電視拼貼開啟以影像與電子科技器材的架設做為創作語彙及媒材的運用《Sun in your head》，到2004年電影導演維貝克（Jan Verbeek）於東京所拍攝的《On a Wednesday night in Tokyo》止共95件作品。
不萊梅展出60年代錄像藝術開端；杜塞道夫展出80年代風雲而起的狂潮；萊比錫呈現東德時期的錄像藝術發展進程；卡爾斯魯則為最主要的展出地點由70年代的錄像藝術發展開始；慕尼黑則接續前者展出6位藝術家2004年最新的作品。
展覽：德國錄像藝術40年，1963~2004
時間：2006年3越25日—5月21日
地點：不萊梅（Kunsthalle Bremen－»40jahrevideokunst.de – Die 60er«）
杜塞道夫（K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen－»40jahrevideokunst.de – Die 80er«）
慕尼黑（Städtische Galerie im Lenbachhaus－»40jahrevideokunst.de – Update 06«）
萊比錫（Museum der Bildenden Künste Leipzig－»40jahrevideokunst.de – Revision.ddr«）
卡爾斯魯（ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe－»40jahrevideokunst.de – Revision.zkm«）
距離2007年第12屆卡塞爾文件大展（Documenta 12）雖然還有超過一年，卻是眾所矚目，至今已經召開三次記者會。第一次記者會於2003年12月召開，正式宣布由布爾格（Roger M. Buergel）擔任下一屆的文件展策展人；第二次記者會於2005年1月舉行，布爾格與其妻子諾雅克（Ruth Noack）──文件展另一位策展人首先針對下一屆展覽的方向說明：「期刊的期刊」（eine Zeitschrift der Zeitschriften），由修哈莫（Georg Schöllhammer）負責刊物的編輯重任，並將與全球70個媒體及網路合作，討論在地的藝術觀點並且成為2007年展覽的前導與論述平台。今年底前第一期刊物以英文、德文雙語出版，網路訊息的語言則將包括中文、法文、西班牙文、俄文與阿拉伯文。此計畫的執行與策展人的出版社背景有很大的關係，長期在維也納的藝術出版公司擔任撰稿與編輯的工作，布爾格對於論述及文字的魅力情有獨鍾。
最近一次的記者會於2006年2月21日於卡塞爾再度召開。記者會通知寫著除了第12屆文件大展最新標誌發表之外，策展人將公佈藝術家名單（A與Z），首先記者會通知就玩了一次文字遊戲，大家驚訝的是怎麼可能距離正式展出還有一年多的時間就要宣布藝術家名單，這與前兩屆極力保密，非等到最後一刻才揭曉的習慣大相逕庭，記者會開始拿到的資料根本就沒有藝術家名單，一直到該宣布時，布爾格強調是A與Z不是A到Z，兩位藝術家資料會後在入口櫃檯發放，加上現場到場的兩位藝術家，共有4位是已經確定的名單：來自里約熱內盧（Rio de Janeiro）的巴斯包姆（Ricardo Basbaum）、來自利物普的史綈德沃希（Imogen Stidworthy）、來自巴塞隆納的廚師阿德瑞亞（Ferran Adrià）、來自華沙的奇米也夫斯基（Artur Żmijewski ）。
沒錯！曾被選為世界最佳廚師的阿德瑞亞，其精湛的烹調技術與所創造出來的一道道色、香、味俱全的極品，被布爾格稱為是另一形式的藝術家，阿德瑞亞層主持過餐廳、烹飪書籍並受Discovery頻道Anthony Bourdain邀請在節目中表演１小時的個人秀。波蘭的奇米也夫斯基以影像藝術作品受到注目，曾於威尼斯雙年展、歐洲宣言雙年展中出現，其作品《Głuchy Bach / Deaf Bach (Singing Lesson 2)》以巴哈的清唱劇BWV78《Jesu, der du meine Seele》為本邀請萊比錫的失聰成人合唱團演出，奇米也夫斯基經常於作品中檢視人類在不尋常環境中的行為反應，尤其是社會中弱勢者的被分離處境。策展人於現場播放這件2003年的音樂作品。巴斯包姆與史綈德沃希則參與記者會並表示將以新的作品計劃與當地產生互動。2007年的藝術家名單雖然尚未完全確定，但是兩位策展人表示絕對不會比上一屆多，藝術家總數將低於100位，並且讓藝術家有更多呈現作品與理念的機會，諾雅克說：「我們希望讓作品有更多自我呈現的可能」。根據統計，1997與2002年的參與藝術家總數各約120位，最高紀錄於1977年約有500位藝術之譜。
2007年第12屆卡塞爾文件大展不設定一個中心的主題，但是布爾格以三個如同華格納歌劇的主導動機（Leitmotiven)來說明圍繞著展覽的核心概念：《現代化過時了嗎？》（Ist die Moderne unsere Antik?）、《最基本起碼的生活為何？》（Was ist das bloße Leben?）、《該做什麼？》（Was tun?）經由這些提問，策展人所要展現的是生活的基本價值，20世紀的現代化對人類產生衝擊、文化多元的交互作用下還有什麼是人類可以省思與前進的目標。
2002年的第11屆文件展，總計達65萬參觀人次，國際媒體報導超過1萬5千則新聞與評論，下一屆文件大展不僅肩負承先啟後的任務，還要為卡塞爾本地造勢爭取歐洲文化之都的舉辦資格。
文件大展50年回顧1955-2005
每5年方才舉辦一次的文件大展，讓一個沒有多大特色的德國中部小鎮受到世人的注意，文件展與卡塞爾的名字永遠被放在一起提及。自1955年開始的卡塞爾文件大展至2005年以屆半個世紀，雖然歷史比不上超過百年的威尼斯雙年展，影響力與知名度卻可等量齊觀，尤其是文件展具有的學院背景及論述傳統更是其他國際大展所無法抗衡的。2005年9月1日--11月20日所展出的《文件大展50年─1955-2005》回顧其輝煌的歷史。
2007年第12屆卡塞爾文件大展
時間：2007年6月16日—9月23日
策展人：布爾格（Roger M. Buergel）、諾雅克（Ruth Noack）
經過約兩年的籌畫，柏林世界文化館（Haus der Kulturen der Welt, Berlin）於3月1日正式舉行記者會，宣布該館今年的第一檔大活動，結合視覺藝術、國際座談、戲曲表演、音樂節目、文學朗誦、電影欣賞與青年工作坊的《中國──在過去與未來之間》定於3月23日晚間開幕，揭開為期兩個半月的中國當代藝術活動。
「文化大革命」，造成中國文化與價值嚴重挫折和損失的一場內亂；毛澤東，改變中國命運的傳奇人物。30年前（1976）「文化大革命」功敗垂成、毛澤東也於同年走入歷史，中國自此起了變化。柏林世界文化館一直以關注非歐洲地區的文化藝術發展，並且從不同的藝術文化型態來呈現該地區的現況與特色。雖然歐洲各地對於中國專題早就是一股熱潮，但是世界文化館的規劃則走向學術式的研究，從幾個節目的安排上來觀察即可發現與其他城市或國家的「中國節」有著迥異的走向。該館早有固定的編制負責視覺藝術與電影、表演藝術、文學等類別的研究與節目規劃，加上每次活動邀聘的對象都經過討論與溝通，與一般純粹是經費上的取得作考量的情形迥異，因此在主題與內容的掌握度就更顯得聚焦。此次活動邀請到戴錦華負責電影專題、劉索拉負責中國現代音樂、田曼莎規劃戲曲節目、巫鴻與飛利浦斯（Christopher Phillips）擔任視覺藝術的策展工作，藉由世界文化館的統籌呈現了從歷史走向未來的核心觀察。
由傳統到現代的轉化
中國的戲曲發展可以追溯起源於原始社會的歌舞，然後才逐漸演變為職業性的演出，反映庶民生活與觀點，各朝歷代與各地方也發展出不同特色的段子與曲式。京劇、崑曲、粵劇、川劇、與秦腔都在這次表演藝術的節目裡，京劇的演出者吳興國為這次整個節目唯一來自台灣的藝術家，他將擔綱開幕後的首場表演。
現代音樂的部分名單更是堅強：譚盾、瞿小松的音樂都將出現在節目單裡，樂曲使用的多以中國傳統樂器來呈現中國樂器的現代精神。
梅蘭芳，中國京劇的傳奇人物，將中國京劇崑曲藝術推向世界舞台的先行者，透過他的表演與不斷的宣揚，中國京劇藝術躋身於世界戲劇之林。與斯坦尼斯拉夫斯基（Konstantin Stanislavski ）、布萊希特（Bertolt Brecht）並稱爲世界三大表演體系的代表人物。。德國漢學界大師顧彬（Wolfgang Kubin）也將出席「布萊希特與梅蘭芳」研討會。
透過簡單的文字訊息往往傳遞出最強烈與深沉的內在力量，尤其是當代文學更展現了當前中國作家面對社會轉型、城市與鄉村的隔閡以及中國與世界的逐漸接觸所產生的外在與內再衝擊質變，文學家以敏銳的眼光與感受，描繪了中國人最深層的渴望與矛盾。獲諾貝爾文學獎的高行健、以《紅高粱》《酒國》《天堂蒜臺之歌》等書享譽德國與世界文壇的莫言、以《塵埃落定》拿下茅盾文學獎的阿來、以《沉重的翅膀》及《無字》兩度獲得茅盾文學獎的張洁、以《等待》獲得美國福克納文學獎及國家書獎的哈金、作品《活著》由導演張藝謀班上螢幕的余華等人都在中國文學單元裡受邀到現場親自朗讀作品，並由漢學界的專家擔任引言與翻譯。
中國的新攝影與錄像藝術
攝影作為共產主義宣傳的最佳工具，是一項訊息與教育的傳遞，1979年與1980年第一個非正式的攝影展（純粹藝術性展覽而非教條式宣傳）出現，引起了社會大眾的注意，直到90年代中期攝影與錄像逐漸成為實驗藝術家最佳的創作表現工具。
「實驗攝影」以新的科技為藝術創作的工具，藝術家藉由影像呈現了中國的舊世代與新世代的轉變，以及城市與鄉村之間的差異，尤有甚者，藝術家的想像得以藉由影像科技技術達到傳統繪畫或雕塑無法企及的境地。
展覽以四個主題分別來呈現48位藝術家超過90件的攝影與錄像作品。《歷史與記憶》（History and Memory）：從影像具體呈現文化大革命以及藝術家個人的兒時記憶，勾勒出中國現代史的一頁滄桑；《演出自我》（Performing the self）：以身體為傳遞訊息的主要媒介，從表演裡凝聚出流行現象的變形從而窺探中國當代生活的急速轉變；《重塑身體意像》（Re-Imagining the Body）：中國人經歷封閉破壞之後重新面對開放的世代，人的定位與認同受到挑戰與質疑，這個單元裡藝術家試圖找出中國人的新定位；《人與空間》（People and Place）：20年來中國的都市發展劇變，從而影響了居住在此空間的居民，由鄉村湧入都市的大量人口與不斷興建的高樓都讓都市景觀與生活步調不同以往，藝術家以都市為核心所呈現的中國新都會觀。
此展覽自2004年起在美國展出，今年三月巡迴到德國柏林，夏季將再回到美國最後一檔展出，整個展覽柏林是唯一美國以外於其他國家與城市的展覽。展出藝術家幾乎包含了當代中國藝術界底攝影及錄像為創作媒介的優秀人選，艾未未、曹斐、海寳、馬六明、榮榮、宋冬、王功新、徐震、楊福東、張大力、張洹、周嘯虎、莊輝等共48位藝術家。
從過去走向未來
歐洲這幾年流行中國熱，但是柏林世界文化館這次所舉辦的專題卻是少見的對於中國政治社會環境變化前後，文化藝術發展的一個有研究性、具主題以及充分呈現精緻內涵的文化活動。由幾個層面觀照中國文化藝術的走向以及藝術家面對此環境所觀察與之後的詮釋特別具有從歷史望向中國未來的深度覺醒。
中國──在過去與未來之間
地點：德國柏林世界文化館
時間：2006年3月24日—5月14日